Analyse d’œuvre
Haka d’Angelin Preljocaj
En quoi la relecture du haka par Angelin Preljocaj illustre-t-elle la rencontre entre culture traditionnelle et langage chorégraphique contemporain ?
L’œuvre en bref
Chorégraphie Angelin Preljocaj
Création 2007, en hommage à la venue des All Blacks à Aix-en-Provence
Interprètes 15 danseuses
Costumes Angelin Preljocaj
Lumières Angelin Preljocaj, Cécile Giovansili
Production Ballet Preljocaj
Durée 7 minutes
Comment Angelin Preljocaj transforme-t-il un rituel guerrier maori en une œuvre chorégraphique contemporaine, révélant la richesse des échanges interculturels entre tradition et modernité, entre cultures masculine et féminine ?
Les échanges culturels ont toujours nourri la création artistique, permettant aux chorégraphes de puiser dans les traditions du monde pour réinventer de nouveaux langages du corps. C’est dans cette dynamique qu’Angelin Preljocaj, chorégraphe contemporain français d’origine albanaise, crée en 2007 la pièce HAKA, inspirée du rituel maori rendu célèbre par l’équipe de rugby néo-zélandaise des All Blacks. En transposant cette danse guerrière, symbole de cohésion et d’identité nationale, à un groupe de quinze danseuses, Preljocaj interroge la puissance du collectif, la mémoire des corps et la place du féminin dans un rituel historiquement masculin. Cette œuvre devient ainsi un terrain d’échange entre culture maorie et culture occidentale, entre tradition et modernité, entre rite et création artistique.
Analyse
I. Présentation et contexte
Angelin Preljocaj est un chorégraphe français d’origine albanaise. Formé à la danse classique puis contemporaine, il fonde sa compagnie en 1985 et s’installe au Pavillon Noir à Aix-en-Provence, centre chorégraphique national qu’il dirige. Son travail mêle la rigueur de la danse classique à la recherche gestuelle contemporaine.
La pièce HAKA, créée en 2007, s’inspire du haka maori, danse rituelle de Nouvelle-Zélande, exécutée traditionnellement pour accueillir, célébrer ou préparer un combat. Le haka symbolise la cohésion du groupe, la vitalité et l’identité du peuple maori.
Preljocaj en propose une relecture contemporaine et féminine à travers quinze danseuses, transposant ce rituel de puissance guerrière dans un univers épuré et collectif, où le corps féminin devient porteur de force et d’unité.
II. Les fondamentaux du mouvement
Espace
L’espace scénique est sobre et frontal, sans décor ni variation de niveaux. Les danseuses évoluent sur un seul plan, sans rapport au sol ni sauts. Les déplacements se font en allers-retours du fond de scène vers l’avant-scène, structurant la progression rythmique. L’espace est organisé en trois lignes mouvantes de cinq danseuses, créant une géométrie claire et répétitive, renforçant la cohésion du groupe.
Temps
Le temps est marqué par une accélération progressive des marches et de la gestuelle. La répétition régulière des motifs crée un effet de montée en puissance. Le rythme interne est donné par les percussions corporelles et le chant, produisant un tempo collectif sans accompagnement musical externe.
Flux et dynamique
Les flux de mouvement alternent entre tension et relâchement. Les impacts dominent : frappes de bras, appuis ancrés, mouvements secs et précis. La respiration commune et la synchronisation du groupe structurent le flux énergétique, créant une sensation d’onde collective.
Poids et engagement du corps
Les appuis sont lourds, ancrés vers le sol, traduisant la gravité et la puissance du rituel. Le corps est habité : grimaces, cris, respiration et regard soutenu participent à la physicalité de la danse. Chaque geste s’exécute avec une intensité maîtrisée, où la répétition renforce l’impact visuel et sonore.
III. Analyse chorégraphique
La chorégraphie repose sur une écriture de groupe rigoureuse. L’unisson domine : toutes les danseuses exécutent les mêmes gestes, dans la même direction et au même moment, ce qui renforce l’effet d’unité et de cohésion. Des canons et décalages temporels apparaissent entre les lignes, créant des effets d’écho visuel et sonore. Les phrases chorégraphiques sont répétées et accumulées, selon un principe d’amplification : à chaque reprise, le mouvement gagne en amplitude et en énergie.
Preljocaj utilise différents procédés de composition :
- Stucks (morceaux collés ou juxtaposés),
- Canon (décalage entre groupes),
- Rattrapé (un groupe rejoint un autre),
- Répétition et transposition (droite/gauche, debout/au sol, autre partie du corps),
- Contrastes (vite/lent, fluide/saccadé, grand/petit).
L’organisation spatiale suit des partitions différenciées :
- Ligne 1 : ABCD
- Ligne 2 : BCAD
- Ligne 3 : CABD
La pièce se compose d’un unique tableau, fondé sur la progression rythmique et énergétique du mouvement. Le groupe agit comme un corps collectif, où la coordination, le souffle et la frappe deviennent le moteur de la composition.
Scénographie
La scénographie de HAKA est volontairement épurée, recentrant toute l’attention sur le corps et l’énergie du groupe.
Aucun décor n’est présent sur scène : un fond noir domine, créant un espace neutre et symbolique, proche du vide rituel. Cette sobriété visuelle renforce la tension dramatique et met en valeur la puissance physique et sonore des danseuses.
Les costumes jouent sur le contraste des signes : les interprètes portent un polo noir de rugby, référence directe aux All Blacks et au symbole de virilité, associé à des talons aiguilles et à des shorts noirs courts, éléments évoquant la féminité et la fragilité apparente. Ce contraste visuel crée un glissement de sens : Preljocaj interroge les stéréotypes de genre tout en rendant hommage à la force collective féminine.
L’éclairage, d’une grande neutralité, se contente d’illuminer uniformément le plateau. Il ne cherche pas à créer d’ambiance particulière, mais plutôt à laisser le mouvement et la gestuelle occuper tout l’espace perceptif du spectateur.
Le monde sonore repose exclusivement sur des percussions corporelles et sur les chants maoris, interprétés par les danseuses elles-mêmes. Il n’y a aucune musique extérieure, ce qui accentue la dimension organique de la pièce : le son naît du geste, du souffle et de l’impact.
Aucun objet scénique n’intervient, hormis la voix et la présence physique des danseuses. Le chant traditionnel maori agit comme une véritable partition rythmique, supportant la structure temporelle de la chorégraphie.
La distribution compte quinze danseuses, sans aucun danseur masculin. Ce choix renverse la symbolique initialement masculine du haka et met en avant une énergie de cohésion féminine.
Enfin, la pièce se déroule dans un théâtre à l’italienne, avec une frontalité assumée. Cette configuration accentue la puissance d’impact du groupe face au public, rappelant la confrontation initiale du haka, où le geste s’adresse directement à l’autre.
Sens et portée de l’œuvre
Lecture interprétative
Dans HAKA, Preljocaj transforme un rite guerrier masculin en un rituel de puissance féminine. Le groupe de femmes, uni par le souffle et le rythme, réinvestit l’espace scénique comme un champ de force. Les gestes percutants, les frappes et les cris expriment la solidarité, la vitalité et la fierté collective. L’absence de décor et la frontalité concentrent toute l’attention sur le langage du corps. La pièce devient un rituel chorégraphique contemporain, à la fois hommage et détournement d’une tradition ancestrale, où l’énergie du collectif transcende la distinction entre masculin et féminin.
À retenir
Les flux de mouvement alternent entre tension et relâchement.
Le groupe agit comme un corps collectif, où la coordination, le souffle et la frappe deviennent le moteur de la composition.
Cette sobriété visuelle renforce la tension dramatique et met en valeur la puissance physique et sonore des danseuses.
Mots-clés
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Focus sur les fondamentaux du mouvement
Une matière rituelle transformée par la composition chorégraphique
Créé en 2007 lors de la venue des All Blacks à Aix-en-Provence, Haka transpose une matière gestuelle et vocale maorie pour quinze danseuses. Cette pratique culturelle, notamment présente lors de cérémonies et de fêtes de bienvenue, a été popularisée internationalement par le rugby. Preljocaj reprend cette référence et en transforme la présentation par les costumes, l’organisation des groupes et la composition des phrases.
I. Les codes du rugby déplacés
Les quinze danseuses sont réparties en trois lignes de cinq, qui renvoient à la disposition des joueurs de rugby. Ces lignes sont mouvantes : les déplacements du fond vers l’avant-scène, les retours et les changements d’orientation organisent leurs relations.
Les polos des All Blacks côtoient des shorts noirs courts et des talons aiguilles. Cette association confronte les codes de la puissance sportive masculine à des signes conventionnels de féminité. Les danseuses prennent en charge une gestuelle affirmée sans effacer cette confrontation.
Le fond noir, l’absence de décor et la lumière neutre rendent lisibles les formations et les mouvements. Les chants et les percussions corporelles constituent le monde sonore : les interprètes produisent elles-mêmes les sons qui accompagnent leurs actions.
II. Des corps engagés dans les impacts
La gestuelle se caractérise par les frappes, les accents et les impacts. Les actions des bras et des pieds engagent une énergie affirmée, dirigée notamment vers le bas. Le poids se manifeste dans cette qualité ferme de l’action. L’absence de passages au sol ne signifie donc pas une absence de relation à la gravité.
La respiration établit l’écoute entre les danseuses et prépare leur synchronisation au sein de chaque ligne. Les regards et les grimaces prolongent l’intensité des gestes : le visage participe pleinement à l’état de corps.
L’accélération progressive des marches et de la gestuelle transforme la temporalité. Les répétitions deviennent plus pressantes, tandis que les interruptions et les reprises précises rendent perceptible le contrôle du mouvement.
III. Une phrase recomposée entre les lignes
La composition associe répétition, canon, décalages temporels, rattrapé, unisson et transposition droite-gauche. L’unisson constitue un moment de convergence au sein d’une organisation qui fait aussi apparaître des différences entre les lignes.
Les fragments gestuels sont découpés puis réorganisés selon le principe du couper-coller. Une phrase composée des éléments A, B, C et D peut suivre des ordres différents : ABCD pour la première ligne, BCAD pour la deuxième et CABD pour la troisième. Une matière commune produit ainsi plusieurs enchaînements.
Les décalages puis les retrouvailles entre les groupes construisent une cohésion mobile. La puissance collective naît autant de la synchronisation que de la recomposition des relations. La référence au rugby devient une matière d’écriture chorégraphique.
À retenir
Haka transforme les codes du rugby par une distribution féminine, des costumes contrastés et trois lignes de danseuses. Impacts, respiration, regards et accélération donnent sa force à la gestuelle. Répétition, canon, rattrapé, unisson et réorganisation des fragments construisent une unité collective traversée de différences.
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Complément · Le haka selon le Ballet Preljocaj
Selon le Ballet Preljocaj, la pièce a été créée en hommage à la venue des All Blacks à Aix-en-Provence. Le haka y est présenté comme une danse rituelle du peuple maori, interprétée lors de cérémonies, de fêtes de bienvenue ou avant le départ à la guerre. Source : Ballet Preljocaj, fiche Haka.
Pour aller plus loin
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Pièce courte pour deux danseuses, Marie et l'Ange, « Annonciation » est créée le 26 septembre 1995 à l'Opéra de Lausanne et reçoit un Bessie Award en 1997. Sur Stéphane Roy et le Magnificat de Vivaldi, Angelin Preljocaj fait de l'Annonciation un moment où « acceptation et révolte coexistent ».
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Sources. Cartel et complément : fiche Haka, Ballet Preljocaj (preljocaj.org). Texte d’analyse : Sophie Martinez, Le Labo d’Art.
Citation d’ouverture : aucune citation de Angelin Preljocaj n’a pu être vérifiée mot pour mot dans une source admise ; l’emplacement reste vide.