Une question, une réponse : 

Et si la danse n’était pas seulement un art du corps, mais aussi un langage qui transforme notre façon de voir le monde ?

Dans ce premier épisode, nous explorons comment un simple changement de regard peut ouvrir de nouvelles perspectives sur la danse contemporaine.

Une question, une réponse : 

Pourquoi revisiter Le Lac des cygnes ?

Dans cet épisode, nous explorons comment et pourquoi les chorégraphes du XXᵉ siècle ont revisité Le Lac des cygnes, de la version originelle de Petipa à celles de Mats Ek, Matthew Bourne ou Dada Masilo. Entre critique sociale, renversement des codes et nouvelles esthétiques, chaque relecture raconte un rapport unique à l’histoire et au monde contemporain.

Une question, une réponse : 

 En danse, on invente vraiment?

Cet épisode questionne le lien intime entre création et héritage en danse. Loin d’être une rupture totale, l’innovation chorégraphique s’appuie souvent sur les œuvres, les techniques et les imaginaires du passé. Nous verrons comment cette tension entre tradition et modernité nourrit la vitalité de l’art chorégraphique, en offrant au public des œuvres à la fois familières et inédites.

Une question, une réponse : 

En quoi Anna Halprin a-t-elle transformé la danse postmoderne ?

Cet épisode explore le rôle d’Anna Halprin dans la naissance de la postmodern dance. On découvre comment ses rituels de mouvement et son cycle RSVP ont transformé la danse en outil démocratique, social et écologique. Entre art et vie, Halprin ouvre la voie à une pratique inclusive et engagée.

Une question, une réponse : 

Pourquoi Steve Paxton est-il une figure clé de la postmodern dance ?

Plongez dans l’univers de Steve Paxton et de la Contact Improvisation. Inventée en 1972, cette pratique repose sur le contact, le partage du poids et l’improvisation. Une approche radicale qui a bouleversé les codes académiques et élargi la danse à tous les corps.

Une question, une réponse : 

Quels sont les quatre fondamentaux du mouvement définis par Rudolf Laban et à quoi servent ils réellement?

La danse peut-elle s’analyser comme une langue ? Cet épisode revient sur les fondamentaux définis par Rudolf Laban : poids, espace, temps et flux. De Revelations d’Alvin Ailey à Café Müller de Pina Bausch, on comprend comment chaque geste devient porteur de sens.

Une question, une réponse : 

Comment différencier le classique, le néoclassique et le contemporain à travers les fondamentaux du mouvement ?

Et si les fondamentaux du mouvement permettaient de comparer les styles de danse ? Du ballet classique de Petipa à Balanchine, de Cunningham au hip-hop et au jazz, chaque esthétique articule différemment le poids, l’espace, le temps et le flux. Un outil clair pour lire la diversité des danses.

Une question, une réponse : 

Qu’est-ce qui distingue la démarche de création d’un artiste comme Abramović ou Bausch ?

Comment un simple geste devient-il une œuvre chorégraphique ? À travers les étapes de recherche, improvisation et composition, cet épisode montre deux démarches emblématiques : Abramović, qui met son corps à l’épreuve dans des performances radicales, et Bausch, qui transforme l’intime en théâtre-danse collectif.

Une question, une réponse : 

Giselle : comment la danse se réinvente-t'elle ?

Aujourd’hui, on plonge dans Giselle, monument du ballet romantique, pour comprendre comment une œuvre peut traverser les siècles et se transformer jusqu’à devenir un miroir de notre époque.

En 1841, Giselle imposait les codes : tutus blancs, spiritualité, danse sur pointe, amour tragique et esthétique éthérée. Mais ce mythe n’a jamais cessé d’être réinterprété. Mats Ek, Dada Masilo et Akram Khan en ont fait trois lectures radicales, psychologiques, politiques et métissées.

Ce qui nous intéresse ici : comment un ballet peut se réinventer sans se renier.
Comment les gestes, la dramaturgie et la scénographie peuvent être déplacés pour questionner le présent ?
Pourquoi revisiter un classique est parfois plus puissant que d’en créer un nouveau ?

Une question, une réponse : 

Giselle (1841) : comment les codes romantiques façonnent-ils ce ballet ?

Giselle, chef-d’œuvre du ballet romantique créé par Coralli et Perrot en 1841, réunit tous les codes du genre : héroïne idéalisée, pantomime expressive, dramaturgie entre vie et mort, tutus blancs et brume.
Cet épisode du podcast Les Antisèches analyse les composantes du mouvement (poids, espace, temps, flux) et la manière dont Giselle transforme la technique classique en langage poétique.

Une question, une réponse : 

GISELLE 2017 : Comment Masilo transforme le mythe ?

Dans cette réécriture sud-africaine du ballet romantique de 1841, Masilo renverse tout :
la légèreté devient percussion, les Wilis deviennent des esprits vengeurs, la reine Myrtha devient une Sangoma incarnée par un homme, et la fin abandonne totalement le pardon romantique.

Masilo fusionne danse classique et danse africaine pour faire de Giselle une œuvre engagée, ancrée, communautaire.
Une danse qui parle de justice, de mémoire, d’énergie et de résistance.

Une question, une réponse : 

Que raconte vraiment la Giselle de Mats Ek ?

Dans Giselle (1982), Mats Ek détourne le mythe romantique pour en faire une œuvre profondément sociale.
Le corps, ancré au sol et soumis à la gravité, devient le lieu où s’expriment la fragilité, la folie et l’exclusion.
Cette antisèche propose une lecture claire et synthétique d’une relecture chorégraphique majeure du XXᵉ siècle.

Une question, une réponse : 

 Giselle d’Akram Khan (2016) : comment le mythe devient-il politique ?

 Que devient Giselle quand Akram Khan la réécrit au XXIᵉ siècle ?
En transposant le ballet romantique dans le monde des migrants exploités, Akram Khan transforme Giselle en une œuvre politique et spirituelle. La danse, nourrie de kathak et de contemporain, fait émerger un langage du corps marqué par l’exil, la frontière et la mémoire collective.

Une question, une réponse : 

Comment Le Lac des cygnes est-il devenu le ballet classique le plus célèbre au monde ?

 Dans cet épisode des Antisèches, nous analysons la version de référence du Lac des cygnes chorégraphiée par Marius Petipa et Lev Ivanov (1895).
Nous étudions les codes du ballet classique, la place du corps de ballet, la construction de la dualité Odette/Odile et le rôle de la scénographie dans la dramaturgie romantique.

Un épisode essentiel pour comprendre les fondements du ballet académique et son langage chorégraphique.

Une question, une réponse : 

Le Lac des cygnes de Matthew Bourne (1995) : pourquoi cette version dérange ?

Dans cet épisode des Antisèches, analyse de Le Lac des cygnes de Matthew Bourne (1995).
Une relecture radicale du ballet de Petipa et Ivanov : cygnes masculins, corps puissants, critique du pouvoir et des normes sociales.
Un podcast clair pour comprendre comment un ballet classique devient un manifeste chorégraphique.

Une question, une réponse : 

Comment un ballet aussi codifié que Le Lac des cygnes peut-il devenir un espace de révolte et de transformation ?

Dans cet épisode, nous analysons la version de Dada Masilo (2010), une relecture puissante qui confronte la tradition classique occidentale aux danses africaines.

À travers la fusion des langages corporels, la transformation des figures du cygne et la remise en question des normes sociales et sexuelles, Dada Masilo fait du Lac des cygnes un espace critique et contemporain.
Cette analyse s’appuie exclusivement sur le cours et met en lumière les choix chorégraphiques, musicaux et esthétiques qui renouvellent profondément le mythe.

Une question, une réponse : 

Comment transformer un ballet mythique en exploration de l’âme humaine ?

Dans cette Antisèche, nous analysons la version du Lac des cygnes chorégraphiée par Mats Ek. En rupture totale avec la féerie romantique de Petipa et Ivanov, Ek propose une lecture psychologique et contemporaine de l’œuvre.

Corps lourds, appuis au sol, mouvements fragmentés : le cygne devient une figure intérieure, révélant les conflits du Prince et les tensions de la société. Le lac n’est plus un lieu magique, mais un espace mental où se projettent les désirs, les peurs et les normes imposées.

Une question, une réponse : 

Le Lac des cygnes de Preljocaj : comment le mythe devient écologique ?

Dans cet épisode des Antiséches du Labo d’Art, nous analysons Le Lac des cygnes revisité par Angelin Preljocaj.

À partir de l’œuvre originale de Petipa et Ivanov, Preljocaj propose une relecture contemporaine où le conte romantique se transforme en réflexion sur le pouvoir, le désir, la violence et les rapports de domination.
Le cygne n’est plus seulement une figure poétique : il devient un corps politique, pris dans des tensions sociales et symboliques.

Cet épisode permet de comprendre :
– comment un mythe classique peut être déplacé dans un langage chorégraphique contemporain,
– comment les choix esthétiques, corporels et scénographiques transforment le sens de l’œuvre,
– pourquoi Le Lac des cygnes reste une source majeure de réécritures aujourd’hui.

Une question, une réponse : 

Pina Bausch : comment le geste révèle les relations humaines ?

Pina Bausch : quand la danse devient un miroir des relations humaines

Pina Bausch occupe une place majeure dans l’histoire de la danse contemporaine. Figure emblématique du Tanztheater, elle a profondément transformé la manière de concevoir la création chorégraphique en intégrant le geste quotidien, la théâtralité et l’expérience intime des interprètes.

Dans des œuvres comme Kontakthof, Café Müller, Les Rêves dansants ou Vollmond, la danse ne repose plus sur la virtuosité technique, mais sur la relation. Les gestes simples – marcher, s’asseoir, se regarder, se toucher – sont répétés, accumulés, détournés, jusqu’à révéler les tensions sociales et affectives qui traversent les corps.

Une question, une réponse : 

La danse est-elle un art engagé ?

La danse n’est pas seulement un art du mouvement ou de l’esthétique.
Dans cet épisode des Antisèches, nous posons une question centrale : la danse peut-elle être un art engagé ?
À travers un panorama d’œuvres et de démarches chorégraphiques, cet épisode montre comment le corps peut devenir un outil de dénonciation, de résistance ou de prise de position face aux tensions sociales, politiques et culturelles.
Un épisode de synthèse pour comprendre comment la danse dialogue avec le monde et s’inscrit dans l’histoire des luttes humaines.

Une question, une réponse : 

Comment la danse reflète-t-elle les tensions sociales et politiques ?

Comment la danse peut-elle dénoncer la guerre, l’injustice ou les jeux de pouvoir ?
Cet épisode analyse des œuvres chorégraphiques qui transforment la scène en espace critique.
La danse devient ici un langage politique, capable de révéler les tensions sociales et les dérives du pouvoir à travers le corps et le mouvement.

Une question, une réponse : 

Comment la danse devient-elle la voix des minorités ?

La danse peut-elle donner une voix à celles et ceux que l’histoire a marginalisés ?
Cet épisode explore comment certains chorégraphes utilisent le mouvement pour affirmer des identités, revendiquer des droits et rendre visibles des récits oubliés.
Un épisode clé pour comprendre la danse comme espace d’expression collective et politique.

Une question, une réponse : 

Comment la danse répond-elle aux enjeux globaux de notre époque ?

Face aux crises sociales, environnementales et politiques, certains chorégraphes choisissent de faire de la danse un espace d’alerte et de réflexion.
Cet épisode analyse comment la danse contemporaine répond aux enjeux globaux et transforme le mouvement en expérience critique pour le spectateur.

Une question, une réponse : 

La scénographie en danse est-elle simplement un décor… ou participe-t-elle pleinement à l’écriture chorégraphique ?

Dans cet épisode des Antisèches, Lelabodart explore l’évolution de la scénographie à travers :

• La Bayadère – Marius Petipa (1877)
• Le Sacre du printemps – Pina Bausch (1975)
• Umwelt – Maguy Marin (2004)
• Pixel – Mourad Merzouki (2014)

Du décor narratif du ballet classique aux dispositifs immersifs numériques, découvrez comment l’espace scénique devient matière, contrainte, système dramaturgique et partenaire technologique du mouvement.

🎧 Un épisode pour comprendre comment l’espace transforme le corps et la perception du spectateur.

Une question, une réponse : 

Qu’est-ce qu’une scénographie illustrative en danse ?

Dans cet épisode des Antisèches, Lelabodart explore comment la scénographie peut être assujettie à la compréhension de l’univers d’une œuvre à travers trois ballets majeurs :

• La Sylphide – Filippo Taglioni (1832)
• La Bayadère – Marius Petipa (1877)
• Roméo et Juliette – Angelin Preljocaj (1990)

Du romantisme et de l’illusion scénique aux architectures orientalistes du ballet classique, jusqu’à la scénographie politique d’Enki Bilal pour Preljocaj, découvrez comment décor, costumes et espace structurent la perception du spectateur.

Une analyse claire pour comprendre le rôle narratif, symbolique et idéologique de la scénographie.

Une question, une réponse : 

Comment la scénographie peut-elle transformer le mouvement au point d’en devenir la source ?

Dans cet épisode :

✔ La terre du Sacre du printemps de Pina Bausch

✔ La matière d’Odile Duboc

✔ L’eau dans Ama de Julie Gautier

✔ La plateforme instable de Yoann Bourgeois

✔ La verticalité chez Trisha Brown et Mourad Merzouki

✔ Le costume contraignant de Martha Graham

✔ Les volumes du Ballet triadique

✔ Les illusions lumineuses de Nikolais

Une analyse essentielle pour comprendre comment la contrainte scénographique devient génératrice de mouvement.

Une question, une réponse : 

Comment la scénographie peut-elle transformer notre regard plutôt que le mouvement lui-même 

Dans cet épisode 27 des Antisèches, Lelabodart explore la troisième dimension de la scénographie en danse : le dispositif perceptif et dramaturgique.

À travers des œuvres majeures :

• Umwelt — Maguy Marin (2004)
• Cendrillon — Maguy Marin (1985)
• Pixel — Mourad Merzouki (2014)
• Biped — Merce Cunningham (1999)
• Crucible — Alwin Nikolais (1985)
• Kiss & Cry — Michèle Anne De Mey & Jaco Van Dormael (2011)

Découvrez comment la répétition, le masque, le numérique, la projection et la lumière transforment la perception du spectateur et font de la scène un dispositif critique.

Quand la scénographie devient visible, elle devient dramaturgie.

Une question, une réponse : 

Comment les échanges interculturels transforment-ils l’écriture chorégraphique contemporaine ?

Dans cet épisode des Antisèches, Lelabodart explore :

la manière dont la diversité culturelle, l’hybridation et les circulations entre les cultures transforment le corps, le mouvement, l’espace, la dramaturgie et l’écriture chorégraphique.

À travers les œuvres suivantes :
• Zero Degrees — Akram Khan et Sidi Larbi Cherkaoui — 2005
• Swan Lake — Dada Masilo — 2010
• Nomad — Sidi Larbi Cherkaoui — 2019
• Éloge du puissant royaume — Eddy Malem — 2017

Cet épisode pose les bases de cette réflexion : reconnaître la diversité des styles, comprendre la naissance de langages hybrides, puis percevoir les tensions éthiques et esthétiques qui accompagnent ces croisements culturels.

👉 Objectif :
comprendre comment les échanges interculturels enrichissent la danse contemporaine tout en transformant notre regard sur les identités, les mémoires et les rapports de pouvoir.

Une question, une réponse : 

Comment les chorégraphes ont-ils affirmé les spécificités stylistiques et culturelles dans leurs écritures chorégraphiques ?

Dans cet épisode des Antisèches, Lelabodart explore :

la manière dont les styles chorégraphiques s’organisent, se transmettent et affirment leurs codes propres, du classique au néoclassique, des traditions africaines aux danses urbaines.

À travers les œuvres suivantes :
• Apollo — George Balanchine — 1928
• Réalité(s) — Gervais Tomadiatunga
• Breakdance / Krump — cultures urbaines codifiées
• Zero Degrees — Akram Khan et Sidi Larbi Cherkaoui — 2005

Cet épisode montre que chaque danse possède une grammaire, une mémoire, un rapport spécifique au corps, à l’espace, au rythme et à la communauté. Il ouvre aussi sur la question du métissage, entre renouvellement chorégraphique et risque de brouillage culturel.

👉 Objectif :
comprendre que les échanges interculturels supposent d’abord la reconnaissance précise des styles, de leurs codes et de leurs contextes culturels.

Une question, une réponse : 

Comment les chorégraphes contemporains créent-ils des écritures hybrides à partir de traditions différentes ?

Dans cet épisode des Antisèches, Lelabodart explore :

la manière dont les chorégraphes contemporains croisent plusieurs héritages culturels pour transformer le corps, l’espace, le vocabulaire gestuel, la perception et la dramaturgie.

À travers les œuvres suivantes :
• Zero Degrees — Akram Khan et Sidi Larbi Cherkaoui — 2005
• Swan Lake — Dada Masilo — 2010
• Nomad — Sidi Larbi Cherkaoui — 2019
• Éloge du puissant royaume — Eddy Malem — 2017

Cet épisode montre que l’écriture hybride ne relève ni du collage ni de la citation décorative. Elle naît d’un travail exigeant où les différences restent vivantes pour produire un langage chorégraphique nouveau.

👉 Objectif :
comprendre comment les écritures hybrides se construisent en danse contemporaine, entre reconnaissance des styles, invention formelle et affirmation culturelle.

Une question, une réponse : 

Quelles tensions et quelles limites apparaissent lorsque la danse contemporaine intègre des diversités culturelles ?

Dans cet épisode des Antisèches, Lelabodart explore :

les enjeux éthiques, esthétiques et politiques liés au métissage chorégraphique, à la représentation des cultures, à la mémoire et aux risques d’appropriation culturelle.

À travers les œuvres suivantes :
• Ceremony of Us — Anna Halprin — 1969
• Xenos — Akram Khan — 2018
• Sous les fleurs — Thomas Lebrun — 2016
• SLĀV — Robert Lepage et Betty Bonifassi — 2018

Cet épisode montre que l’intégration des diversités culturelles dans la danse contemporaine ne produit pas seulement de nouvelles formes. Elle soulève aussi des questions de légitimité, de contexte, de mémoire, de représentation et de responsabilité artistique.

👉 Objectif :
comprendre pourquoi la création chorégraphique contemporaine doit penser à la fois le geste, son origine, son contexte culturel et les rapports de pouvoir qu’il engage.

Une question, une réponse : 

Le costume en danse habille-t-il le corps ou raconte-t-il déjà l’œuvre ?

Dans cet épisode des Antisèches, Lelabodart explore le costume comme une écriture du corps. Loin d’être un simple habillage, il transforme la silhouette, oriente le regard du spectateur et révèle une intention artistique.

À travers les œuvres suivantes :
• Le Lac des cygnes — Marius Petipa et Lev Ivanov — 1895
• Le Sacre du printemps — Pina Bausch — 1975
• May B — Maguy Marin — 1981

Cet épisode montre que le costume peut sublimer le corps, révéler l’effort, dramatiser une situation ou faire apparaître une humanité fragile. Du tutu blanc de la danseuse-cygne aux vêtements salis du Sacre du printemps, jusqu’aux silhouettes usées de May B, le costume transforme notre manière de regarder la danse.

👉 Objectif :
Comprendre que choisir un costume, c’est déjà choisir une manière de montrer le corps, de construire une dramaturgie et d’affirmer un parti pris artistique.

Une question, une réponse : 

Le costume peut-il inventer une autre manière de voir le corps ?

Dans cet épisode des Antisèches, Lelabodart explore le costume comme affirmation d’un modèle esthétique. En danse, le costume ne fait pas qu’habiller : il construit une image du corps, impose une perception et révèle une manière de penser la scène.

À travers les œuvres suivantes :
• Le Lac des cygnes — Marius Petipa et Lev Ivanov — 1895
• Ballet triadique — Oskar Schlemmer — 1922

Cet épisode met en regard deux visions du corps. Dans Le Lac des cygnes, le costume sublime la danseuse-cygne et affirme un idéal classique de pureté, de légèreté et de virtuosité. Dans le Ballet triadique, le costume transforme le danseur en volume, en forme géométrique, en figure plastique.

👉 Objectif :
Comprendre que le costume affirme une esthétique : il peut idéaliser le corps selon les codes classiques ou le transformer selon une logique abstraite et moderniste.

Une question, une réponse : 

Le costume peut-il faire sentir ce que le corps traverse ?

Dans cet épisode des Antisèches, Lelabodart poursuit l’exploration du costume en danse. Après le costume comme écriture du corps et comme affirmation d’un modèle esthétique, cet épisode montre comment le costume devient un outil de transformation expressive.

À travers les œuvres suivantes :
• Le Sacre du printemps — Pina Bausch — 1975
• May B — Maguy Marin — 1981
• Crucible — Alwin Nikolais — 1985

Cet épisode analyse comment le costume peut rendre visibles l’effort, la peur, la fatigue, l’usure, la fragilité ou même la disparition du corps. Dans Le Sacre du printemps, il expose un corps engagé et sacrifié ; dans May B, il révèle une humanité fragile et grotesque ; dans Crucible, il s’élargit au dispositif lumineux pour fragmenter le corps et le rendre abstrait.

👉 Objectif :
Comprendre que le costume ne montre pas seulement qui est le danseur : il révèle ce que le corps traverse, endure ou devient sur scène.

Une question, une réponse : 

Le costume peut-il aussi critiquer notre manière de regarder les corps ?

Dans cet épisode des Antisèches, Lelabodart poursuit la série consacrée à la danse et au costume. Après avoir montré que le costume peut raconter l’œuvre, inventer une image du corps ou révéler ce que le corps traverse, cet épisode explore sa puissance critique.

À travers les œuvres suivantes :
• Giselle — Mats Ek — 1982
• Groosland — Maguy Marin — 1989
• Trio A — Yvonne Rainer — 1966
• Set and Reset — Trisha Brown — 1983

Cet épisode montre comment le costume peut relire un ballet romantique, interroger les normes corporelles ou refuser les codes spectaculaires. Dans Giselle, Mats Ek déplace l’univers féerique vers un hôpital psychiatrique, avec des Wilis devenues figures hospitalières et une nudité du prince qui révèle sa vulnérabilité. Dans Groosland, Maguy Marin transforme le volume des corps pour critiquer l’idéal du danseur mince et virtuose. Dans la post-modern dance, le vêtement quotidien devient un refus du spectaculaire.

👉 Objectif :
Comprendre que le costume peut devenir un outil dramaturgique et critique : il ne montre pas seulement le corps, il questionne ce que le spectateur attend d’un corps dansant.

🎙️ Une question, une réponse.

Le hip-hop enrichit-il vraiment la création chorégraphique ?

Dans cet épisode des Antisèches, Lelabodart interroge la place du hip-hop dans la création chorégraphique contemporaine. Le hip-hop n’est pas seulement une danse spectaculaire : c’est une culture, avec ses codes, son énergie, son histoire, son rapport au sol, au groupe et au public.

À travers les œuvres et références suivantes :
• Récital — Mourad Merzouki / Compagnie Käfig — 1998
• Babelle heureuse — José Montalvo et Dominique Hervieu — 2002
• Éloge du puissant royaume — Heddy Maalem — 2013 / 2017
• 1997 : La danse hip-hop avec Mourad Merzouki et Najib Guerfi — INA

Cet épisode montre que le hip-hop enrichit la création lorsqu’il devient écriture, dialogue interculturel et affirmation d’une identité artistique forte.

👉 Objectif :
Comprendre que le hip-hop transforme la scène contemporaine lorsqu’il garde ses codes, son histoire et sa puissance propre.

Une question, une réponse :
Le hip-hop est-il devenu un véritable langage chorégraphique ?



Dans cette Antisèche, Lelabodart montre que le hip-hop enrichit la création parce qu’il apporte un langage autonome : rapport au sol, ruptures, appuis inversés, virtuosité, précision rythmique, frontalité, puissance du groupe et adresse au public.

À travers les œuvres suivantes :
• Récital — Mourad Merzouki / Compagnie Käfig — 1998
• Douar — Kader Attou / Compagnie Accrorap — 2004
• Éloge du puissant royaume — Heddy Maalem — 2013 / 2017

Cet épisode montre que le hip-hop ne se réduit pas à la performance. Dans Récital, il devient composition scénique ; dans Douar, il porte une mémoire collective ; dans Éloge du puissant royaume, le krump affirme une identité culturelle et sociale forte.

🔗 Ressources : www.lelabodart.com

Une question, une réponse :
L’hybridation enrichit-elle le hip-hop ou risque-t-elle de l’effacer ?



Dans cette Antisèche, Lelabodart explore le hip-hop comme matière de dialogue. Le hip-hop enrichit la création chorégraphique lorsqu’il rencontre d’autres danses, d’autres musiques, d’autres cultures et d’autres imaginaires sans perdre son identité.

À travers les œuvres suivantes :
• Babelle heureuse — José Montalvo et Dominique Hervieu — 2002
• Sol Invictus — Hervé Koubi — 2023
• Nomad — Sidi Larbi Cherkaoui / Eastman — 2019

Cet épisode montre que l’hybridation n’est pas une simple addition de styles. Dans Babelle heureuse, le hip-hop participe à une scène interculturelle ; dans Sol Invictus, sa physicalité devient danse du lien ; dans Nomad, l’hybridation devient une image des identités mobiles.

Une question, une réponse :
L’institution peut-elle accueillir le hip-hop sans le lisser ?

Dans cette Antisèche, Lelabodart interroge les tensions liées à l’entrée du hip-hop dans les théâtres, les festivals et les institutions. Le hip-hop gagne en visibilité, mais il risque aussi de voir ses codes transformés : freestyle, battle, club, cercle, communauté et adresse directe au public.

À travers les œuvres et références suivantes :
• RAW — Sandrine Lescourant / Compagnie Kilaï — 2021
• Queen Blood — Ousmane Sy / Paradox-Sal — 2019
• Le krump — danse contestataire et culture socialement située

Cet épisode montre que l’enrichissement apporté par le hip-hop n’est pas automatique. Dans RAW, le hip-hop tente de préserver le brut ; dans Queen Blood, la house gagne une visibilité institutionnelle mais change de cadre ; avec le krump, la scène doit éviter de réduire l’intensité du geste à un simple effet spectaculaire.

🔗 Ressources : www.lelabodart.com

Une question, une réponse :
La danse peut-elle porter un discours politique ?

Dans cet épisode des Antisèches, Lelabodart ouvre une série consacrée aux liens entre danse et politique. La danse ne devient pas politique uniquement lorsqu’elle dénonce une injustice : elle peut aussi servir un pouvoir, refuser des normes dominantes ou faire apparaître des violences sociales.

À travers les œuvres suivantes :
• Ballet royal de la Nuit — Louis XIV — 1653
• Man Walking Down the Side of a Building — Trisha Brown — 1970
• La Table verte — Kurt Jooss — 1932

Cet épisode montre que le politique peut apparaître dans la manière dont la danse organise les corps, l’espace, le regard du spectateur et les rapports de pouvoir.

👉 Objectif :
Comprendre que la danse porte un discours politique lorsqu’elle glorifie, conteste ou dénonce une organisation du monde.

🔗 Ressources : www.lelabodart.com

Une question, une réponse :

La danse peut-elle servir le pouvoir ?

Dans cette Antisèche, Lelabodart montre que la danse n’est pas toujours politique parce qu’elle conteste. Elle peut aussi être politique parce qu’elle sert un pouvoir, glorifie un souverain ou organise les corps selon une vision idéologique.

À travers les références suivantes :
• Ballet royal de la Nuit — Louis XIV — 1653
• Rudolf Laban — mouvement choral et Allemagne des années 1930
• Mary Wigman — danse expressionniste et contrôle idéologique

Cet épisode montre que le corps dansant peut devenir une image d’ordre, d’autorité ou de domination. Il peut glorifier un roi, représenter une masse organisée ou devenir un objet de surveillance politique.

🔗 Ressources : www.lelabodart.com

Une question, une réponse :

La danse peut-elle être politique sans dénoncer directement ?

Dans cette Antisèche, Lelabodart montre que la danse peut devenir politique par sa forme. Refuser la virtuosité, déplacer l’espace de la danse ou affirmer un corps marginalisé peut devenir une prise de position artistique et politique.

À travers les références suivantes :
• No Manifesto — Yvonne Rainer — 1965
• Trio A — Yvonne Rainer — 1966
• Man Walking Down the Side of a Building — Trisha Brown — 1970
• Le krump — danse née dans les ghettos californiens

Cet épisode montre que la danse politique n’est pas seulement une danse qui dénonce. Elle peut aussi transformer les normes du regard : quel corps mérite d’être vu, quel espace peut devenir scène, quelle énergie peut devenir langage ?

🔗 Ressources : www.lelabodart.com

Une question, une réponse :

La danse peut-elle agir sur le monde ?

Dans cette Antisèche, Lelabodart explore la danse comme critique sociale et engagement explicite. La danse peut dénoncer la guerre, critiquer les violences sociales, interroger le racisme, réactiver une mémoire ou créer une expérience collective.

À travers les œuvres suivantes :
• La Table verte — Kurt Jooss — 1932
• And so you see… — Robyn Orlin — 2016
• Deux mille vingt trois — Maguy Marin — 2023
• Ceremony of Us — Anna Halprin — 1969
• Parades & Changes, replays — Anna Halprin / Anne Collod — 1965 / 2008
• Planetary Dance — Anna Halprin — partition 1981

Cet épisode montre que la danse politique ne se limite pas à dénoncer. Elle peut aussi créer des expériences, déplacer les regards, réunir des corps, transmettre des mémoires et tenter de transformer symboliquement le monde.

🔗 Ressources : www.lelabodart.com

Une question, une réponse :

Comment les chorégraphes transforment-ils la place du spectateur ?

Dans cet épisode des Antisèches, Lelabodart ouvre une série consacrée au rôle du spectateur en danse. Depuis le début du XXe siècle, les chorégraphes ne transforment pas seulement les mouvements : ils déplacent aussi la place du public.

À travers les références suivantes :
• Gala du Ballet de l’Opéra national de Paris — Opéra Garnier — 2016
• Planetary Dance — Anna Halprin — Paris, 2012
• Umwelt — Maguy Marin — 2004

Cet épisode montre que le spectateur peut être observateur, participant ou confronté. Il peut admirer une œuvre à distance, entrer dans une expérience collective ou être mis en crise dans ses attentes.

👉 Objectif :
Comprendre que la relation au spectateur fait partie de l’écriture chorégraphique.

Une question, une réponse :

Pourquoi le cadre traditionnel du ballet fait-il du spectateur un observateur émerveillé ?

Dans cet épisode des Antisèches, Lelabodart explore le modèle traditionnel de la relation au spectateur : une relation frontale, codifiée, fondée sur la distance, l’illusion, la narration et l’admiration du corps dansant.

À travers les œuvres suivantes :
• Le Lac des cygnes — Marius Petipa / Lev Ivanov — 1895
• Giselle — Jean Coralli / Jules Perrot — 1841
• Le Parc — Angelin Preljocaj — 1994

Cet épisode montre que le spectateur traditionnel n’est pas absent ou inutile. Il observe, ressent, comprend, admire et se laisse guider par l’œuvre. Dans le ballet classique et romantique, le cadre scénique organise l’émerveillement ; dans Le Parc, la frontalité demeure, mais le regard devient plus analytique.

👉 Objectif :
Comprendre comment la scène traditionnelle construit une place d’observation, d’émotion et d’interprétation pour le spectateur.

Une question, une réponse :

Comment les chorégraphes rendent-ils le spectateur acteur de ce qu’il regarde ?

Dans cet épisode des Antisèches, Lelabodart montre comment certains chorégraphes déplacent le spectateur hors de sa place habituelle. Il ne reçoit plus seulement une œuvre : il construit son regard, redéfinit ses repères, partage l’espace ou participe à l’événement.

À travers les œuvres suivantes :
• Events — Merce Cunningham — à partir de 1964
• Man Walking Down the Side of a Building — Trisha Brown — 1970
• Planetary Dance — Anna Halprin — partition 1981
• Parades & Changes, replays — Anna Halprin / Anne Collod — 1965 / 2008

Cet épisode montre que le spectateur peut devenir acteur de son regard, de sa perception ou même de l’expérience chorégraphique. La participation n’est pas la seule forme d’activité : choisir, relier, interpréter et accepter de ne pas tout voir rendent aussi le spectateur actif.

👉 Objectif :
Comprendre comment les chorégraphes déplacent le spectateur vers des formes d’autonomie, de participation ou d’interprétation active.

Une question, une réponse :

Pourquoi certains chorégraphes choisissent-ils de confronter le spectateur plutôt que de le satisfaire ?

Dans cet épisode des Antisèches, Lelabodart explore la relation critique entre chorégraphe et spectateur. Certains artistes ne cherchent plus à plaire, mais à provoquer un choc, une frustration, une prise de conscience ou une responsabilité.

À travers les œuvres suivantes :
• Le Sacre du printemps — Vaslav Nijinski / Igor Stravinsky — 1913
• Umwelt — Maguy Marin — 2004
• 3S — Sidi Larbi Cherkaoui — 2020

Cet épisode montre que le spectateur peut être dérangé, frustré ou responsabilisé. Dans Le Sacre du printemps, il est confronté à une modernité brutale ; dans Umwelt, à une œuvre qui refuse le “produit artistique” attendu ; dans 3S, aux blessures politiques, écologiques et humaines du monde contemporain.

👉 Objectif :
Comprendre que certains chorégraphes confrontent le spectateur pour l’obliger à reconstruire son regard, ses attentes et sa responsabilité.

Une question, une réponse :

Comment la danse dialogue-t-elle avec les autres arts ?

Dans cet épisode des Antisèches, Lelabodart ouvre une série consacrée aux liens entre danse, musique, décor, costume, arts plastiques, dessin et image.

À travers les œuvres suivantes :
• La Belle au bois dormant — Marius Petipa / Piotr Ilitch Tchaïkovski — 1890
• Minutiae — Merce Cunningham / Robert Rauschenberg / John Cage — 1954
• It’s a Draw — Trisha Brown — 2002

Cet épisode montre que les autres arts peuvent servir la danse, coexister avec elle ou devenir de véritables partenaires de création.

👉 Objectif :
Comprendre les trois grands types de dialogue artistique : assujettissement, juxtaposition et interaction.

Une question, une réponse :

Comment les autres arts se mettent-ils au service de la danse ?

Dans cet épisode des Antisèches, Lelabodart explore le premier modèle de dialogue entre danse et autres arts : une relation hiérarchisée, où la musique, le livret, le décor, le costume et la scénographie servent la lisibilité chorégraphique.

À travers les œuvres suivantes :
• La Belle au bois dormant — Marius Petipa / Piotr Ilitch Tchaïkovski — 1890
• Giselle — Jean Coralli / Jules Perrot / Adolphe Adam — 1841
• Le Lac des cygnes — Marius Petipa / Lev Ivanov / Piotr Ilitch Tchaïkovski — 1895

Cet épisode montre comment les autres arts construisent l’illusion, guident l’émotion du spectateur et valorisent le corps dansant dans le ballet classique et romantique.

👉 Objectif :
Comprendre l’assujettissement des autres arts à la danse dans le ballet classique et romantique.

Une question, une réponse :

Que se passe-t-il quand les arts partagent la scène sans se soumettre les uns aux autres ?

Dans cet épisode des Antisèches, Lelabodart explore la juxtaposition des arts. Au XXe siècle, certains chorégraphes refusent que la musique, le décor ou l’objet plastique soient simplement au service de la danse.

À travers les œuvres suivantes :
• Root of an Unfocus — Merce Cunningham / John Cage — 1944
• Minutiae — Merce Cunningham / Robert Rauschenberg / John Cage — 1954
• Trio A — Yvonne Rainer — 1966

Cet épisode montre que danse, musique, arts plastiques et geste peuvent coexister sans hiérarchie. Le spectateur n’est plus guidé par une lecture unique : il construit lui-même les liens.

👉 Objectif :
Comprendre la juxtaposition des arts : autonomie, coexistence et liberté de lecture.

Une question, une réponse :

Quand les autres arts deviennent-ils partenaires d’écriture de la danse ?

Dans cet épisode des Antisèches, Lelabodart explore le troisième niveau de dialogue entre danse et autres arts : l’interaction. Ici, le texte, le dessin ou l’image numérique ne sont plus au service de la danse, ni simplement juxtaposés à elle. Ils transforment l’écriture chorégraphique.

À travers les œuvres suivantes :
• May B — Maguy Marin — 1981
• It’s a Draw — Trisha Brown — 2002
• Pixel — Mourad Merzouki / Adrien M & Claire B — 2014

Cet épisode montre que les autres arts peuvent devenir des partenaires de co-écriture : la littérature devient corps, le mouvement devient trace, l’image numérique transforme l’espace.

👉 Objectif :
Comprendre comment l’interaction entre les arts transforme le corps, le mouvement, l’espace et la perception.

Une question, une réponse :

Comment les nouvelles technologies transforment-elles la danse ?

Dans cet épisode des Antisèches, Lelabodart ouvre une série consacrée aux liens entre danse et nouvelles technologies. Lumière électrique, cinéma, 3D, motion capture, logiciel, image numérique ou caméra en direct ne sont pas de simples effets : ils modifient la perception, l’écriture chorégraphique et la présence du corps.

À travers les œuvres suivantes :
• Danse serpentine — Loïe Fuller — années 1890
• BIPED — Merce Cunningham — 1999
• Pina — Wim Wenders / Pina Bausch — 2011
• Rosas danst Rosas — Anne Teresa De Keersmaeker / Thierry De Mey — 1983 / 1997
• Trackers — Merce Cunningham / LifeForms — 1991
• Pixel — Mourad Merzouki / Adrien M & Claire B — 2014
• Kiss & Cry — Michèle Anne De Mey / Jaco Van Dormael — 2011

Cet épisode montre que les technologies transforment d’abord notre regard sur la danse, puis interviennent plus profondément dans la composition du geste, l’espace scénique et la présence du corps.

👉 Objectif :
Comprendre que la technologie devient chorégraphique lorsqu’elle transforme le regard, le mouvement, l’espace ou la présence du danseur.

Une question, une réponse :

Comment la technologie transforme-t-elle notre manière de voir la danse ?

Dans cet épisode des Antisèches, Lelabodart explore les nouvelles technologies comme médiations perceptives. Avant de transformer l’écriture chorégraphique, la technologie modifie d’abord le regard du spectateur : lumière, vidéo, projection, motion capture, caméra, montage ou 3D font apparaître le corps autrement.

À travers les œuvres suivantes :
• Danse serpentine — Loïe Fuller — années 1890
• Théorie des Prodiges — Système Castafiore / Marcia Barcellos et Karl Biscuit — 2016
• BIPED — Merce Cunningham — 1999
• Pina — Wim Wenders / Pina Bausch — 2011
• Rosas danst Rosas — Anne Teresa De Keersmaeker / Thierry De Mey — 1983 / 1997

Cet épisode montre que la technologie peut métamorphoser le corps en apparition lumineuse, fabriquer un théâtre d’images, augmenter la perception du mouvement ou reconstruire la danse par le film.

👉 Objectif :
Comprendre comment la technologie transforme d’abord la perception du corps, de l’espace et du mouvement.

Une question, une réponse :

Comment la technologie transforme-t-elle l’écriture et la présence du corps dansant ?

Dans cet épisode des Antisèches, Lelabodart explore les technologies comme outils de création. Elles ne se contentent plus de modifier le regard du spectateur : elles interviennent dans la composition du mouvement, transforment l’espace et reconstruisent la présence du corps.

À travers les œuvres suivantes :
• Trackers / LifeForms — Merce Cunningham — 1991
• Pixel — Mourad Merzouki / Adrien Mondot et Claire Bardainne — 2014
• Kiss & Cry — Michèle Anne De Mey / Jaco Van Dormael — 2011

Cet épisode montre que le logiciel peut devenir un outil d’écriture, que l’image numérique peut devenir partenaire du mouvement et que la caméra en direct peut fragmenter, agrandir et reconstruire le corps.

👉 Objectif :
Comprendre comment les technologies transforment la composition chorégraphique, les appuis, les trajectoires et la présence scénique.

Une question, une réponse :

Comment la danse dialogue-t-elle avec les arts plastiques ?

Dans cet épisode des Antisèches, Lelabodart ouvre une série consacrée aux liens entre danse, peinture, dessin, costume, décor, trace, performance et présence corporelle.

À travers les œuvres suivantes :
• Giselle — Jean Coralli / Jules Perrot — 1841
• Henriette & Matisse — Michel Kelemenis — 2010
• It’s a Draw — Trisha Brown — 2002
• The Artist is Present — Marina Abramović — 2009

Cet épisode montre que les arts plastiques peuvent encadrer la danse, l’inspirer ou devenir une matière directe de composition chorégraphique.

👉 Objectif :
Comprendre comment le corps dansant peut être placé dans une image, traversé par une image ou producteur d’image.

🔗 Ressources : www.lelabodart.com

Une question, une réponse :

Comment les arts plastiques construisent-ils l’univers scénique de la danse ?

Dans cet épisode des Antisèches, Lelabodart explore la première relation entre danse et arts plastiques : le cadre visuel. Décor, costume, lumière, couleur, perspective et formes scéniques permettent au spectateur d’entrer dans un monde.

À travers les œuvres suivantes :
• Giselle — Jean Coralli / Jules Perrot — 1841
• Le Lac des cygnes — Marius Petipa / Lev Ivanov — 1895
• Parade — Léonide Massine / Pablo Picasso — 1917
• Ballet triadique — Oskar Schlemmer — 1922

Cet épisode montre que les arts plastiques construisent la réception de la danse : ils créent une fiction, organisent une image collective, provoquent une rupture visuelle ou transforment déjà la silhouette du danseur.

👉 Objectif :
Comprendre que décor, costume, lumière et formes plastiques organisent le regard du spectateur.

Une question, une réponse :

Comment la danse pense-t-elle avec les arts plastiques ?

Dans cet épisode des Antisèches, Lelabodart explore une relation plus réciproque entre danse et arts plastiques. La peinture, la ligne, la couleur, la matière, le volume et le musée deviennent des sources d’inspiration chorégraphique.

À travers les œuvres suivantes :
• Henriette & Matisse — Michel Kelemenis — 2010
• Lamentation — Martha Graham — 1930
• Museum Event No. 1 / Events — Merce Cunningham — 1964

Cet épisode montre que la danse ne se contente plus d’être encadrée par les arts plastiques. Elle pense avec eux : la peinture devient mouvement, le tissu devient sculpture vivante, le musée devient espace chorégraphique.

👉 Objectif :
Comprendre comment les arts plastiques inspirent la danse et transforment le geste, le corps et la réception.

Une question, une réponse :

Quand les arts plastiques deviennent-ils une matière chorégraphique ?

Dans cet épisode des Antisèches, Lelabodart explore le dernier niveau du dialogue entre danse et arts plastiques : l’intégration à la composition chorégraphique. La lumière, le miroir, la sculpture flottante ou le dessin ne sont plus extérieurs à la danse : ils participent directement à son écriture.

À travers les œuvres suivantes :
• Crucible — Alwin Nikolais — 1985
• RainForest — Merce Cunningham / Andy Warhol — 1968
• It’s a Draw — Trisha Brown — 2002

Cet épisode montre que les arts plastiques deviennent matière chorégraphique lorsqu’ils transforment le corps, l’espace ou le geste. La danse peut alors devenir image, sculpture, installation ou dessin.

👉 Objectif :
Comprendre comment les arts plastiques participent directement à l’écriture du mouvement.

Une question, une réponse :

Comment la danse utilise-t-elle la culture populaire pour critiquer la consommation ?

Dans cet épisode des Antisèches, Lelabodart explore la manière dont certains chorégraphes intègrent les codes de la culture populaire pour mieux les détourner : robots, gestes viraux, réseaux sociaux, objets du quotidien, open-space, répétition et saturation.

À travers les œuvres suivantes :
• No Manifesto — Yvonne Rainer — 1965
• Robot! — Blanca Li — 2013
• To Da Bone — (La)Horde — 2017
• Ligne de crête — Maguy Marin — 2018

Cet épisode montre que la danse peut utiliser des codes familiers pour révéler les mécanismes de consommation, de standardisation et d’aliénation des corps.

👉 Objectif :
Comprendre comment la culture populaire devient une matière chorégraphique critique.

Une question, une réponse :

Pourquoi la culture populaire devient-elle une matière première pour la danse contemporaine ?

Dans cet épisode des Antisèches, Lelabodart montre comment les chorégraphes contemporains s’appuient sur des codes immédiatement reconnaissables : médias, clips, publicité, réseaux sociaux, robots, danses virales et gestes reproductibles.

À travers les références suivantes :
• Médias, culture populaire et danse — cinéma, télévision, clip, publicité, réseaux sociaux
• Robot! — Blanca Li — 2013
• To Da Bone — (La)Horde — 2017

Cet épisode montre que la culture populaire crée un lien immédiat avec le spectateur, mais qu’elle ouvre déjà une réflexion critique sur la standardisation, la visibilité et la consommation des corps.

👉 Objectif :
Comprendre comment un code populaire peut devenir une matière chorégraphique contemporaine.

Une question, une réponse :

Comment détourner les codes populaires peut-il révéler l’aliénation des corps ?

Dans cet épisode des Antisèches, Lelabodart montre comment les chorégraphes ne se contentent pas d’intégrer la culture populaire : ils la déplacent, la saturent, la rendent absurde ou la refusent pour en faire un outil critique.

À travers les œuvres suivantes :
• Ligne de crête — Maguy Marin — 2018
• No Manifesto — Yvonne Rainer — 1965
• Carnation — Lucinda Childs — 1964
• Avant-gardes et postmodern dance — Dada, Bauhaus, Judson Dance Theater

Cet épisode montre que le détournement transforme les gestes ordinaires, les objets domestiques et le refus du spectaculaire en moyens de révéler l’aliénation, la standardisation et la consommation des corps.

👉 Objectif :
Comprendre comment la danse critique les mécanismes invisibles du quotidien marchand.

Une question, une réponse :

Une danse critique peut-elle rester subversive quand elle devient un bien culturel ?

Dans cet épisode des Antisèches, Lelabodart explore une tension centrale : une œuvre chorégraphique peut critiquer la société de consommation, mais elle circule elle-même dans des circuits culturels, institutionnels, médiatiques et économiques.

À travers les références suivantes :
• Umwelt — Maguy Marin — 2004
• La Danse serpentine — Loïe Fuller — 1892
• Plagiat, appropriation et création — Yoann Bourgeois / Beyoncé / Rosas
• Festival d’Avignon et circuits de diffusion

Cet épisode montre que la danse critique doit composer avec la diffusion, la reconnaissance, le droit d’auteur, la copie, l’appropriation et le marché culturel.

👉 Objectif :
Comprendre comment une œuvre peut résister au système marchand tout en circulant à l’intérieur de ce système.