Une question, une réponse : 

Et si la danse n’était pas seulement un art du corps, mais aussi un langage qui transforme notre façon de voir le monde ?

Dans ce premier épisode, nous explorons comment un simple changement de regard peut ouvrir de nouvelles perspectives sur la danse contemporaine.

Une question, une réponse : 

Pourquoi revisiter Le Lac des cygnes ?

Dans cet épisode, nous explorons comment et pourquoi les chorégraphes du XXᵉ siècle ont revisité Le Lac des cygnes, de la version originelle de Petipa à celles de Mats Ek, Matthew Bourne ou Dada Masilo. Entre critique sociale, renversement des codes et nouvelles esthétiques, chaque relecture raconte un rapport unique à l’histoire et au monde contemporain.

Une question, une réponse : 

 En danse, on invente vraiment?

Cet épisode questionne le lien intime entre création et héritage en danse. Loin d’être une rupture totale, l’innovation chorégraphique s’appuie souvent sur les œuvres, les techniques et les imaginaires du passé. Nous verrons comment cette tension entre tradition et modernité nourrit la vitalité de l’art chorégraphique, en offrant au public des œuvres à la fois familières et inédites.

Une question, une réponse : 

En quoi Anna Halprin a-t-elle transformé la danse postmoderne ?

Cet épisode explore le rôle d’Anna Halprin dans la naissance de la postmodern dance. On découvre comment ses rituels de mouvement et son cycle RSVP ont transformé la danse en outil démocratique, social et écologique. Entre art et vie, Halprin ouvre la voie à une pratique inclusive et engagée.

Une question, une réponse : 

Pourquoi Steve Paxton est-il une figure clé de la postmodern dance ?

Plongez dans l’univers de Steve Paxton et de la Contact Improvisation. Inventée en 1972, cette pratique repose sur le contact, le partage du poids et l’improvisation. Une approche radicale qui a bouleversé les codes académiques et élargi la danse à tous les corps.

Une question, une réponse : 

Quels sont les quatre fondamentaux du mouvement définis par Rudolf Laban et à quoi servent ils réellement?

La danse peut-elle s’analyser comme une langue ? Cet épisode revient sur les fondamentaux définis par Rudolf Laban : poids, espace, temps et flux. De Revelations d’Alvin Ailey à Café Müller de Pina Bausch, on comprend comment chaque geste devient porteur de sens.

Une question, une réponse : 

Comment différencier le classique, le néoclassique et le contemporain à travers les fondamentaux du mouvement ?

Et si les fondamentaux du mouvement permettaient de comparer les styles de danse ? Du ballet classique de Petipa à Balanchine, de Cunningham au hip-hop et au jazz, chaque esthétique articule différemment le poids, l’espace, le temps et le flux. Un outil clair pour lire la diversité des danses.

Une question, une réponse : 

Qu’est-ce qui distingue la démarche de création d’un artiste comme Abramović ou Bausch ?

Comment un simple geste devient-il une œuvre chorégraphique ? À travers les étapes de recherche, improvisation et composition, cet épisode montre deux démarches emblématiques : Abramović, qui met son corps à l’épreuve dans des performances radicales, et Bausch, qui transforme l’intime en théâtre-danse collectif.

Une question, une réponse : 

Giselle : comment la danse se réinvente-t'elle ?

Aujourd’hui, on plonge dans Giselle, monument du ballet romantique, pour comprendre comment une œuvre peut traverser les siècles et se transformer jusqu’à devenir un miroir de notre époque.

En 1841, Giselle imposait les codes : tutus blancs, spiritualité, danse sur pointe, amour tragique et esthétique éthérée. Mais ce mythe n’a jamais cessé d’être réinterprété. Mats Ek, Dada Masilo et Akram Khan en ont fait trois lectures radicales, psychologiques, politiques et métissées.

Ce qui nous intéresse ici : comment un ballet peut se réinventer sans se renier.
Comment les gestes, la dramaturgie et la scénographie peuvent être déplacés pour questionner le présent ?
Pourquoi revisiter un classique est parfois plus puissant que d’en créer un nouveau ?

Une question, une réponse : 

Giselle (1841) : comment les codes romantiques façonnent-ils ce ballet ?

Giselle, chef-d’œuvre du ballet romantique créé par Coralli et Perrot en 1841, réunit tous les codes du genre : héroïne idéalisée, pantomime expressive, dramaturgie entre vie et mort, tutus blancs et brume.
Cet épisode du podcast Les Antisèches analyse les composantes du mouvement (poids, espace, temps, flux) et la manière dont Giselle transforme la technique classique en langage poétique.

Une question, une réponse : 

GISELLE 2017 : Comment Masilo transforme le mythe ?

Dans cette réécriture sud-africaine du ballet romantique de 1841, Masilo renverse tout :
la légèreté devient percussion, les Wilis deviennent des esprits vengeurs, la reine Myrtha devient une Sangoma incarnée par un homme, et la fin abandonne totalement le pardon romantique.

Masilo fusionne danse classique et danse africaine pour faire de Giselle une œuvre engagée, ancrée, communautaire.
Une danse qui parle de justice, de mémoire, d’énergie et de résistance.

Une question, une réponse : 

Que raconte vraiment la Giselle de Mats Ek ?

Dans Giselle (1982), Mats Ek détourne le mythe romantique pour en faire une œuvre profondément sociale.
Le corps, ancré au sol et soumis à la gravité, devient le lieu où s’expriment la fragilité, la folie et l’exclusion.
Cette antisèche propose une lecture claire et synthétique d’une relecture chorégraphique majeure du XXᵉ siècle.

Une question, une réponse : 

 Giselle d’Akram Khan (2016) : comment le mythe devient-il politique ?

 Que devient Giselle quand Akram Khan la réécrit au XXIᵉ siècle ?
En transposant le ballet romantique dans le monde des migrants exploités, Akram Khan transforme Giselle en une œuvre politique et spirituelle. La danse, nourrie de kathak et de contemporain, fait émerger un langage du corps marqué par l’exil, la frontière et la mémoire collective.

Une question, une réponse : 

Comment Le Lac des cygnes est-il devenu le ballet classique le plus célèbre au monde ?

 Dans cet épisode des Antisèches, nous analysons la version de référence du Lac des cygnes chorégraphiée par Marius Petipa et Lev Ivanov (1895).
Nous étudions les codes du ballet classique, la place du corps de ballet, la construction de la dualité Odette/Odile et le rôle de la scénographie dans la dramaturgie romantique.

Un épisode essentiel pour comprendre les fondements du ballet académique et son langage chorégraphique.

Une question, une réponse : 

Le Lac des cygnes de Matthew Bourne (1995) : pourquoi cette version dérange ?

Dans cet épisode des Antisèches, analyse de Le Lac des cygnes de Matthew Bourne (1995).
Une relecture radicale du ballet de Petipa et Ivanov : cygnes masculins, corps puissants, critique du pouvoir et des normes sociales.
Un podcast clair pour comprendre comment un ballet classique devient un manifeste chorégraphique.

Une question, une réponse : 

Comment un ballet aussi codifié que Le Lac des cygnes peut-il devenir un espace de révolte et de transformation ?

Dans cet épisode, nous analysons la version de Dada Masilo (2010), une relecture puissante qui confronte la tradition classique occidentale aux danses africaines.

À travers la fusion des langages corporels, la transformation des figures du cygne et la remise en question des normes sociales et sexuelles, Dada Masilo fait du Lac des cygnes un espace critique et contemporain.
Cette analyse s’appuie exclusivement sur le cours et met en lumière les choix chorégraphiques, musicaux et esthétiques qui renouvellent profondément le mythe.

Une question, une réponse : 

Comment transformer un ballet mythique en exploration de l’âme humaine ?

Dans cette Antisèche, nous analysons la version du Lac des cygnes chorégraphiée par Mats Ek. En rupture totale avec la féerie romantique de Petipa et Ivanov, Ek propose une lecture psychologique et contemporaine de l’œuvre.

Corps lourds, appuis au sol, mouvements fragmentés : le cygne devient une figure intérieure, révélant les conflits du Prince et les tensions de la société. Le lac n’est plus un lieu magique, mais un espace mental où se projettent les désirs, les peurs et les normes imposées.

Une question, une réponse : 

Le Lac des cygnes de Preljocaj : comment le mythe devient écologique ?

Dans cet épisode des Antiséches du Labo d’Art, nous analysons Le Lac des cygnes revisité par Angelin Preljocaj.

À partir de l’œuvre originale de Petipa et Ivanov, Preljocaj propose une relecture contemporaine où le conte romantique se transforme en réflexion sur le pouvoir, le désir, la violence et les rapports de domination.
Le cygne n’est plus seulement une figure poétique : il devient un corps politique, pris dans des tensions sociales et symboliques.

Cet épisode permet de comprendre :
– comment un mythe classique peut être déplacé dans un langage chorégraphique contemporain,
– comment les choix esthétiques, corporels et scénographiques transforment le sens de l’œuvre,
– pourquoi Le Lac des cygnes reste une source majeure de réécritures aujourd’hui.

Une question, une réponse : 

Pina Bausch : comment le geste révèle les relations humaines ?

Pina Bausch : quand la danse devient un miroir des relations humaines

Pina Bausch occupe une place majeure dans l’histoire de la danse contemporaine. Figure emblématique du Tanztheater, elle a profondément transformé la manière de concevoir la création chorégraphique en intégrant le geste quotidien, la théâtralité et l’expérience intime des interprètes.

Dans des œuvres comme Kontakthof, Café Müller, Les Rêves dansants ou Vollmond, la danse ne repose plus sur la virtuosité technique, mais sur la relation. Les gestes simples – marcher, s’asseoir, se regarder, se toucher – sont répétés, accumulés, détournés, jusqu’à révéler les tensions sociales et affectives qui traversent les corps.

Une question, une réponse : 

La danse est-elle un art engagé ?

La danse n’est pas seulement un art du mouvement ou de l’esthétique.
Dans cet épisode des Antisèches, nous posons une question centrale : la danse peut-elle être un art engagé ?
À travers un panorama d’œuvres et de démarches chorégraphiques, cet épisode montre comment le corps peut devenir un outil de dénonciation, de résistance ou de prise de position face aux tensions sociales, politiques et culturelles.
Un épisode de synthèse pour comprendre comment la danse dialogue avec le monde et s’inscrit dans l’histoire des luttes humaines.

Une question, une réponse : 

Comment la danse reflète-t-elle les tensions sociales et politiques ?

Comment la danse peut-elle dénoncer la guerre, l’injustice ou les jeux de pouvoir ?
Cet épisode analyse des œuvres chorégraphiques qui transforment la scène en espace critique.
La danse devient ici un langage politique, capable de révéler les tensions sociales et les dérives du pouvoir à travers le corps et le mouvement.

Une question, une réponse : 

Comment la danse devient-elle la voix des minorités ?

La danse peut-elle donner une voix à celles et ceux que l’histoire a marginalisés ?
Cet épisode explore comment certains chorégraphes utilisent le mouvement pour affirmer des identités, revendiquer des droits et rendre visibles des récits oubliés.
Un épisode clé pour comprendre la danse comme espace d’expression collective et politique.

Une question, une réponse : 

Comment la danse répond-elle aux enjeux globaux de notre époque ?

Face aux crises sociales, environnementales et politiques, certains chorégraphes choisissent de faire de la danse un espace d’alerte et de réflexion.
Cet épisode analyse comment la danse contemporaine répond aux enjeux globaux et transforme le mouvement en expérience critique pour le spectateur.