Série Audio
Les antisèches – Podcasts pour comprendre la danse
Lelabodart Les Expériences Humaines et Artistiques
Et si 5 minutes suffisaient pour éclairer un concept clé en danse ?
Les antisèches sont une série de podcasts clairs et vivants qui questionnent tous mes cours de danse. Pensés pour les étudiants, les enseignants, les curieux et les amateurs, ils donnent des clés pour comprendre la danse contemporaine, son histoire, ses enjeux et ses pratiques.
Episode 2 : Pourquoi revisiter Le Lac des cygnes ?
Episode 3 : En danse, Est ce qu'on invente vraiment?
Épisode 4 : Anna Halprin – Comment a-t-elle transformé la danse en reliant art, vie et société ?
Épisode 5 : Steve Paxton – Pourquoi la Contact Improvisation a-t-elle marqué la postmodern dance ?
Épisode 6 : Grammaire universelle du corps – Poids, espace, temps et flux peuvent-ils devenir une langue de la danse ?
Épisode 7 : Styles de danse – Peut-on comparer classique, contemporain, hip-hop et jazz avec les mêmes clés ?
Épisode 8 : Du geste à la scène – Comment un simple geste devient-il une œuvre chorégraphique ?
Une question, une réponse :
Et si la danse n’était pas seulement un art du corps, mais aussi un langage qui transforme notre façon de voir le monde ?
Dans ce premier épisode, nous explorons comment un simple changement de regard peut ouvrir de nouvelles perspectives sur la danse contemporaine.
Une question, une réponse :
Pourquoi revisiter Le Lac des cygnes ?
Dans cet épisode, nous explorons comment et pourquoi les chorégraphes du XXᵉ siècle ont revisité Le Lac des cygnes, de la version originelle de Petipa à celles de Mats Ek, Matthew Bourne ou Dada Masilo. Entre critique sociale, renversement des codes et nouvelles esthétiques, chaque relecture raconte un rapport unique à l’histoire et au monde contemporain.
Une question, une réponse :
En danse, on invente vraiment?
Cet épisode questionne le lien intime entre création et héritage en danse. Loin d’être une rupture totale, l’innovation chorégraphique s’appuie souvent sur les œuvres, les techniques et les imaginaires du passé. Nous verrons comment cette tension entre tradition et modernité nourrit la vitalité de l’art chorégraphique, en offrant au public des œuvres à la fois familières et inédites.
Une question, une réponse :
En quoi Anna Halprin a-t-elle transformé la danse postmoderne ?
Cet épisode explore le rôle d’Anna Halprin dans la naissance de la postmodern dance. On découvre comment ses rituels de mouvement et son cycle RSVP ont transformé la danse en outil démocratique, social et écologique. Entre art et vie, Halprin ouvre la voie à une pratique inclusive et engagée.
Une question, une réponse :
Pourquoi Steve Paxton est-il une figure clé de la postmodern dance ?
Plongez dans l’univers de Steve Paxton et de la Contact Improvisation. Inventée en 1972, cette pratique repose sur le contact, le partage du poids et l’improvisation. Une approche radicale qui a bouleversé les codes académiques et élargi la danse à tous les corps.
Une question, une réponse :
Quels sont les quatre fondamentaux du mouvement définis par Rudolf Laban et à quoi servent ils réellement?
La danse peut-elle s’analyser comme une langue ? Cet épisode revient sur les fondamentaux définis par Rudolf Laban : poids, espace, temps et flux. De Revelations d’Alvin Ailey à Café Müller de Pina Bausch, on comprend comment chaque geste devient porteur de sens.
Une question, une réponse :
Comment différencier le classique, le néoclassique et le contemporain à travers les fondamentaux du mouvement ?
Et si les fondamentaux du mouvement permettaient de comparer les styles de danse ? Du ballet classique de Petipa à Balanchine, de Cunningham au hip-hop et au jazz, chaque esthétique articule différemment le poids, l’espace, le temps et le flux. Un outil clair pour lire la diversité des danses.
Une question, une réponse :
Qu’est-ce qui distingue la démarche de création d’un artiste comme Abramović ou Bausch ?
Comment un simple geste devient-il une œuvre chorégraphique ? À travers les étapes de recherche, improvisation et composition, cet épisode montre deux démarches emblématiques : Abramović, qui met son corps à l’épreuve dans des performances radicales, et Bausch, qui transforme l’intime en théâtre-danse collectif.