Plagiat, appropriation et création

En février 2021, une vidéo anonyme intitulée « L’usage des œuvres » a mis en regard des extraits de pièces de Yoann Bourgeois, dont Celui qui tombe et Minuit, et des dispositifs créés auparavant par d’autres artistes de cirque, comme En suspens de Chloé Moglia et Mélissa Von Vépy. Bourgeois a réfuté catégoriquement tout plagiat, en rappelant que tout artiste s’inscrit dans une histoire dans laquelle il puise ; la polémique a néanmoins été largement relayée par la presse. En 2022, aucun des artistes cités n’avait porté plainte. Cette affaire expose les limites du droit d’auteur et l’impasse qui se crée quand plusieurs artistes revendiquent la même forme structurelle. Il reste que dans la logique marchande — innovation, image, reconnaissance institutionnelle — la controverse affaiblit autant la légitimité de la forme que l’idée que la chorégraphie est un art strictement personnel.

En 2011, Beyoncé dévoile Countdown, un clip dont plusieurs séquences sont remarquablement similaires à Rosas danst Rosas (1983) et à Achterland (1990) d’Anne Teresa De Keersmaeker : plans, rythmes, géométrie, gestes, sans qu’aucune mention ne soit faite. Anne Teresa De Keersmaeker parle publiquement de plagiat, sans engager d’action en justice ; Beyoncé reconnaît ensuite que Rosas danst Rosas fait partie des nombreuses références de son clip. La chorégraphe répond par la création : avec le projet Re:Rosas! (2013), elle met en ligne la chorégraphie et invite chacun à filmer sa propre version de la pièce. Cette démarche marque un mouvement stratégique : transformer l’appropriation en visibilité internationale et en reconnaissance publique de l’œuvre. Le geste plagiaire est ainsi retourné en affirmation du droit d’auteur et en partage assumé.

Les deux cas illustrent une tension fondamentale : comment protéger la singularité du geste chorégraphique, surtout dans un environnement qui valorise le partage immédiat, les productions médiatiques et la viralité ?

La loi française reconnaît la chorégraphie comme œuvre de l’esprit, mais impose des conditions restrictives pour la protéger. Les éditeurs et les artistes sont souvent démunis, sans outils compréhensibles. Les exemples Bourgeois et Beyoncé montrent que le système, institutionnellement prêt à valoriser l’esthétique spectaculairement populaire, peut encourager une norme de valorisation visuelle au détriment de l’attribution ou de la reconnaissance de l’auteur. Le risque est que la forme chorégraphique elle-même devienne un bien culturel consommable, vidé de sa dimension créative, remplacée par un format assignable, répétable, vendable.