Enseignement de Spécialité - Première

Ma Giselle

Sujet: En vous inspirant des transformations opérées par les chorégraphes contemporains sur Giselle, imaginez votre propre réinterprétation d’une scène du ballet romantique, en détournant ses codes gestuels, narratifs et scénographiques.

Sommaire

Activité 1 : Premiére exploration

Activité 2 : Deuxième exploration

Activité 3 : Troisième exploration

Activité 3 bis : Quatriméme exploration

Activité 4 : Construire une partition collective

Activité 5 : Performance collective

Activité 6 : Recycler et formaliser sa démarche artistique

Activité 7 : Représentation et évaluation sommative

Citation

Activité 1 : Premiére exploration

Le sujet

Giselle est l’un des ballets les plus emblématiques du répertoire romantique. Depuis sa création en 1841, cette œuvre n’a cessé d’inspirer les chorégraphes qui en proposent aujourd’hui des lectures singulières, entre fidélité au récit originel et réinterprétation contemporaine. Ce chapitre invite à explorer plusieurs de ces relectures afin de comprendre comment le mouvement, les intentions, les relations et l’écriture chorégraphique transforment une même histoire. À travers des situations d’exploration, d’improvisation, de composition et d’interprétation, chacun sera amené à construire progressivement sa propre vision de Giselle, en s’appuyant sur les œuvres étudiées tout en développant une démarche de création personnelle.

- Explorer les différentes écritures chorégraphiques inspirées de Giselle.

- Observer et analyser les choix de composition des chorégraphes.

- Composer une proposition chorégraphique à partir d’un matériau d’interprétation.

- Interpréter un personnage en affirmant une intention artistique.

- Présenter et analyser une création en mobilisant un regard sensible et critique.

Objectifs :

Giselle, Akram Khan (2016), Extrait

Consignes : Visionnez attentivement cet extrait de Giselle d’Akram Khan (2016). Relevez les éléments qui vous semblent transformer le ballet romantique de Giselle.

DÉFINITIONS

Relecture

Une relecture consiste à proposer une nouvelle interprétation d’une œuvre existante. Elle conserve certains éléments de l’œuvre d’origine tout en transformant son esthétique, son histoire ou son langage chorégraphique.

Codes académiques

Les codes académiques sont l’ensemble des règles techniques et esthétiques propres au ballet classique : travail sur pointes, verticalité, positions codifiées, hiérarchie des rôles et organisation traditionnelle de la scène.

Détournement

Le détournement est un procédé de création qui consiste à transformer une œuvre existante pour lui donner un nouveau sens. Il peut modifier les gestes, les personnages, la scénographie, la musique ou le contexte de l’œuvre.

Personnage dansé

Le personnage dansé est un personnage construit par le mouvement. Le danseur lui donne vie grâce à sa gestuelle, ses intentions, sa présence scénique et son interprétation.

Questionnement

Quels éléments caractérisent le ballet romantique Giselle ?

Comment les chorégraphes contemporains transforment-ils cette œuvre ?

Comment construire une réinterprétation personnelle tout en conservant l’identité de Giselle ?

Thème du sujet

Réinterpréter Giselle : du ballet romantique aux relectures contemporaines

Ce chapitre propose d’explorer les différentes relectures de Giselle, depuis le ballet romantique créé par Jean Coralli et Jules Perrot en 1841 jusqu’aux versions contemporaines de Mats Ek, Dada Masilo et Akram Khan. En observant leurs choix artistiques, il s’agit de comprendre comment une œuvre du répertoire peut être transformée, détournée et réinventée tout en conservant son identité.

Problématique

Comment transformer les codes du ballet romantique pour créer une interprétation personnelle de Giselle ?

Observer, analyser, comprendre

Observez et comparez la version originale de Giselle (Coralli et Perrot, 1841) avec ses relectures contemporaines : Mats Ek (1982), Dada Masilo (2017) et Akram Khan (2016).

À partir des extraits vidéo, relevez les caractéristiques principales en vous appuyant sur les composantes du mouvement et Complétez collectivement un tableau comparatif.

Giselle, Jean Coralli & Jules Perrot (1841), Acte I

Giselle, Mats Ek (1982), Acte I

Giselle, Akram Khan (2016), Acte I

Giselle, Dada Masilo (2017), Extrait

Composantes du mouvement	Giselle, Jean Coralli & Jules Perrot, 1841	Giselle, Mats Ek, 1982	Giselle, Akram Khan, 2016	Giselle, Dada Masilo, 2017
Corps (technique, segments, langage corporel)
Espace (niveaux, orientations, rapport au sol)
Temps (rythme, vitesse, contrastes)
Flux (continu, saccadé, ruptures)
Poids (légèreté, ancrage, suspensions)
Relations (partenaire, groupe, spectateur)

Dossier - Giselle de Coralli et Perrot : les codes du ballet romantique

Giselle de Coralli et Perrot : analyse des composantes du mouvement dans le ballet romantique

Créé en 1841 à l’Opéra de Paris, Giselle de Jean Coralli et Jules Perrot est considéré comme l’apogée du ballet romantique. Ce chef-d’œuvre raconte l’histoire de Giselle, une jeune paysanne innocente qui meurt de chagrin après la trahison d’Albrecht. Devenue une « wili », elle sauvera néanmoins son amant grâce à la puissance de son amour. Ce ballet illustre les thèmes clés du romantisme : l’idéalisation de la femme, le surnaturel, la fragilité des émotions et la confrontation entre réalité et imaginaire. L’analyse des composantes du mouvement – corps, espace, temps, flux, poids et relation – révèle comment la chorégraphie traduit à la fois le raffinement académique et la dramaturgie poétique.

1. Le corps : technique et langage expressif

Le rôle de Giselle, interprété à l’origine par Carlotta Grisi, exige une technique classique virtuose. Le travail sur pointes, introduit par Marie Taglioni, symbolise l’élévation et la pureté. Le buste se maintient droit et noble, tandis que les bras dessinent des arcs souples et arrondis, accentuant la grâce et la féminité. Dans l’acte I, Giselle exprime sa joie de vivre par des sauts légers, des arabesques et des attitudes élégantes, comme dans sa variation où chaque mouvement semble effleurer l’air.

La scène de la folie, moment dramatique de la fin de l’acte I, rompt ces codes : le corps perd sa verticalité, les bras deviennent erratiques, les pas se désorganisent. Giselle mime son souvenir du bal et de son amour, répétant des gestes avec une intensité croissante, jusqu’à s’effondrer. Ce basculement corporel souligne l’intensité émotionnelle du personnage.

2. L’espace : du village au royaume des Wilis

L’acte I, situé dans un village, valorise la convivialité : les danses collectives paysannes utilisent des cercles, des rondes et des lignes, donnant une image vivante et animée de la communauté. Giselle occupe souvent le centre de l’espace, renforçant sa place de protagoniste. Les pas de deux avec Albrecht s’articulent autour d’entrées et de sorties en diagonale, jouant avec la profondeur de la scène à l’italienne.

L’acte II contraste radicalement : la forêt et les Wilis imposent une géométrie stricte et symétrique, créant une atmosphère à la fois hypnotique et menaçante. Le corps de ballet féminin se déplace en lignes horizontales ou diagonales parfaites, renforçant l’image d’une armée spectrale. L’espace est pensé pour amplifier l’impression d’apesanteur et de mystère, comme dans le grand tableau des Wilis, où leurs déplacements synchrones enveloppent Albrecht.

3. Temps, flux et relations dramatiques

La musique d’Adolphe Adam accompagne chaque changement d’émotion, guidant le rythme de la danse. Dans l’acte I, les tempi rapides soulignent la joie des scènes villageoises, tandis que la scène de la folie ralentit, donnant l’impression que le temps se suspend. Dans l’acte II, les Wilis dansent sur un flux régulier et continu, renforçant leur nature surnaturelle et leur dimension immuable.

Le poids du mouvement varie selon les personnages : léger et aérien pour Giselle et Albrecht (portés, suspensions), plus terrien et marqué pour les paysans, ou autoritaire et ferme pour Myrtha, la reine des Wilis, qui impose sa volonté par des gestes amples et nets.

La relation entre Giselle et Albrecht, particulièrement dans le pas de deux de l’acte II, se construit sur des élans, des portés et des regards chargés d’émotion. Cette danse, où Giselle semble flotter entre les bras d’Albrecht, symbolise le pardon et la transcendance.

Dans chaque axe, ces chorégraphes posent un regard critique sur le monde qui les entoure en utiliGiselle de Coralli et Perrot incarne l’esthétique romantique dans toute sa pureté : un langage académique raffiné, une gestuelle empreinte de poésie et une organisation scénique qui raconte une histoire d’amour et de mort. Les variations de qualités de mouvement (fluidité, suspension, poids) servent le drame et les émotions des personnages. Ce ballet, qui fixe les codes du romantisme, devient un point de départ incontournable pour les chorégraphes contemporains comme Mats Ek, Dada Masilo ou Akram Khan, qui le revisiteront pour le transformer en miroir du monde actuel.

Dossier - Giselle revisitée par Mats Ek

Giselle de Mats Ek – une héroïne terrienne et marginale

En 1982, Mats Ek propose une relecture radicale de Giselle, chef-d’œuvre romantique de Coralli et Perrot (1841). Le chorégraphe suédois, issu du théâtre et marqué par l’influence de sa mère Birgit Cullberg, substitue à la ballerine romantique une héroïne terrienne, expressive et marginale. Sa Giselle, pieds nus et pleine de vitalité, s’ancre dans un univers rural contemporain, loin de l’idéalisation éthérée du XIXᵉ siècle. Ek décompose les personnages pour en révéler la part psychologique et brute, en mêlant mouvements du quotidien, gestes expressifs et ruptures de style.

1. Le corps : vitalité, gestes bruts et expressivité

La Giselle de Mats Ek n’est pas une jeune fille fragile, mais une figure énergique et impulsive, qualifiée par Ek lui-même d’« idiote du village ». Contrairement à la verticalité académique, elle danse pieds nus, les genoux fléchis, le dos voûté, et caresse la terre de ses mains. Ses sauts puissants alternent avec des gestes du quotidien : se gratter, tousser, se cacher le visage, exprimer la rage ou la joie par des mouvements compulsifs. Dans la scène de la trahison, elle ne s’évanouit pas mais explose de colère, renversant les stéréotypes de douceur féminine. Cette corporalité traduit un personnage sans artifice, en contact direct avec ses émotions.

2. L’espace : du village contemporain à l’asile imaginaire

Ek transpose l’action dans un milieu rural dépouillé, aux allures de ferme, où les villageois observent Giselle comme une marginale. L’espace scénique devient un lieu de tension sociale, où les danses de groupe, loin des rondes harmonieuses de la version romantique, se fragmentent en lignes asymétriques et en amas disloqués. L’acte II abandonne le surnaturel des Wilis pour un univers plus sombre : Giselle est enfermée dans un asile métaphorique, entourée de femmes « atteintes de troubles mentaux » que dirige une Myrtha plus terrienne que spectrale. Le rapport à l’espace y est oppressant, les corps étant contraints et le sol souvent sollicité.

3. Temps, flux et relations dramatiques

Le temps chorégraphique chez Ek est irrégulier et imprévisible : alternance d’accélérations soudaines, de suspensions et de gestes fragmentés, comme des éclats de mémoire ou de rêve. Le flux du mouvement oscille entre continuité et ruptures, exprimant les contradictions des personnages. Les relations sont profondément transformées : le pas de deux entre Giselle et Albrecht n’est plus une danse de séduction gracieuse, mais un dialogue physique, parfois violent. Giselle prend l’initiative des contacts, bousculant la hiérarchie homme/femme. Dans la scène finale, Albrecht, nu et vulnérable, revient vers Giselle dans un geste de rédemption, tandis qu’Hilarion le couvre d’une couverture, symbole de compassion et d’humanité.

La Giselle de Mats Ek rompt avec les codes académiques et romantiques, au profit d’une danse ancrée dans le réel, hybride et profondément humaine. Par son langage chorégraphique mêlant gestes du quotidien, torsions et mouvements organiques, Ek démythifie les personnages et révèle leur vérité psychologique. Cette relecture, qui met en lumière les exclus et les opprimés, reste aujourd’hui une référence incontournable dans l’histoire des relectures contemporaines de grands ballets classiques.

Dossier - Giselle d’Akram Khan

Giselle d’Akram Khan – une fusion des cultures et une critique sociale

Créée en 2016 pour l’English National Ballet, la Giselle d’Akram Khan offre une relecture profondément contemporaine et politique du ballet romantique de 1841. Chorégraphe reconnu pour sa capacité à fusionner danse contemporaine et kathak (danse classique indienne), Khan transpose l’histoire de Giselle dans un monde de migrants et d’injustices sociales, inspiré par des drames contemporains comme l’effondrement du Rana Plaza au Bangladesh (2013). Avec la complicité de Tamara Rojo, directrice de l’ENB, Khan conserve le thème central de l’amour trahi et du pardon, tout en revisitant les codes gestuels, la scénographie et la musique pour leur donner une force actuelle et universelle.

1. Le corps : hybridation entre ballet, kathak et modernité

La danse d’Akram Khan mêle le vocabulaire classique (arabesques, lignes et ports de bras) à des mouvements inspirés du kathak : frappes de pieds, spirales rapides, mains précises et expressives. Les danseurs alternent entre une gestuelle verticale et aérienne, héritée du ballet, et des ancrages au sol puissants, avec des torsions du buste et des gestes circulaires.

Exemple : dans les passages collectifs, les migrants-danseurs frappent le sol du pied et effectuent des rotations rapides, rappelant les rythmes et l’intensité du kathak, tout en gardant une composition chorale proche du corps de ballet classique.

2. L’espace : un mur comme symbole de division sociale

L’un des éléments marquants de la scénographie est le mur monumental conçu par Tim Yip, qui occupe la scène et symbolise les barrières sociales, économiques et politiques. Le premier acte met en scène une communauté de travailleurs migrants face à une élite dominante, ce qui remplace la traditionnelle opposition entre paysans et aristocrates.

Exemple : les danseurs grimpent ou se heurtent au mur, évoquant une lutte pour franchir les obstacles d’un monde inégalitaire. Dans l’acte II, cet espace devient un territoire d’exclusion et de vengeance, où Giselle, morte d’injustice, réapparaît avec les âmes des opprimés.

3. Temps, flux et relations

La musique de Vincenzo Lamagna, inspirée de la partition d’Adolphe Adam, conserve certains leitmotivs mais les transforme par des soundscapes, des percussions sourdes et des instruments graves, donnant à l’œuvre une atmosphère dramatique et sombre. Le temps chorégraphique alterne entre des séquences lentes et cérémonielles (évoquant des rites funèbres) et des explosions de vitesse et de puissance collective.

Les relations entre Giselle et Albrecht s’éloignent du romantisme : leur pas de deux met en avant la fragilité et la douleur, mais aussi la lutte sociale. Exemple : Giselle ne pardonne pas immédiatement ; son corps exprime tour à tour la souffrance, la colère et la révolte, avant d’atteindre un geste final d’humanité.

Avec cette Giselle, Dada Masilo réinvente une œuvre emblématique en y injectant la force du corps africain, la vitesse contemporaine et un discours féministe fort. Sa danse hybride, ancrée et explosive, donne à Giselle une nouvelle voix, celle d’une femme qui refuse la soumission et réclame justice. Par sa réécriture chorégraphique et musicale, Masilo transforme la tragédie romantique en une célébration de la puissance collective et du droit à la colère.

Activité 2 - Construire mon argumentation - Partie 1

Ce que je dois démontrer

Mon parcours dans cette activité

Argument 1

texte

Ref

Argument 2

Texte

Ref

Argument 3

Texte

Ref

Argument principale

Nouveau paragraphe

Questions de travail

Mes réponses

	La Bayadère, Marius Petipa, 23 janvier 1877	La Sylphide	Roméo et Juliette (Preljocaj)
Contexte représenté
Type de décor
Logique des couleurs
Rôle des costumes
Rapport à la musique
Influence sur le mouvement
Fonction principale de la scénographie

L'argumentation de ma première partie

Titre

Sous titre

Intro

Texte

II.

Texte

III.

Texte

Conclu

Activité 3 - Construire mon argumentation - Partie 2

Ce que je dois démontrer

Mon parcours dans cette activité

Argument 1

texte

Ref

Argument 2

Texte

Ref

Argument 3

Texte

Ref

Argument principale

Nouveau paragraphe

Questions de travail

Mes réponses

Œuvre	Chorégraphe / Date	Type de contrainte scénographique
Le Sacre du printemps	Pina Bausch – 1975	Sol / matière (terre)
Projet de la matière	Odile Duboc – 1993	Coussins d'eau toles et matelas d'air
Ama	Julie Gautier – 2018	Milieu aquatique
Celui qui tombe	Yoann Bourgeois –2014	Dispositif mécanique instable
Man Walking Down the Side of a Building	Trisha Brown – 1970	Architecture / verticalité
Vertikal	Mourad Merzouki – 2018	Verticalité / dispositif aérien
Lamentation	Martha Graham – 1930	Enveloppe / costume contraignant
Ballet triadique	Oskar Schlemmer – 1922	Costume-architecture géométrique
Tensile Involvement	Nikolais - 1953	Elastiques

L'argumentation de ma deuxiéme partie

Titre

Sous titre

Intro

Texte

II.

Texte

III.

Texte

Conclu

Activité 4 - Construire mon argumentation - Partie 3

Ce que je dois démontrer

Mon parcours dans cette activité

Argument 1

texte

Ref

Argument 2

Texte

Ref

Argument 3

Texte

Ref

Argument principale

Nouveau paragraphe

Questions de travail

Mes réponses

Œuvre – Chorégraphe – Date	Dispositif scénographique utilisé	Ce que la scénographie transforme	Incidence sur le corps / le mouvement	Effet sur le regard du spectateur	Fonction dominante (illustrative / contraignante / perceptive / hybride ?)
Umwelt — Maguy Marin — 2004
Cendrillon — Maguy Marin — 1985
Pixel — Mourad Merzouki — 2014
Biped — Merce Cunningham — 1999
Crucible — Alwin Nikolais — 1985
Kiss & Cry — Michèle Anne De Mey & Jaco Van Dormael — 2011

L'argumentation de ma troisième partie

Titre

Sous titre

Intro

Texte

II.

Texte

III.

Texte

Conclu

Activité 5 - Je rédige ma dissertation

Sujet : En quoi la scénographie, élément non constitutif du mouvement dansé, participe-t-elle pleinement à l’écriture chorégraphique et à la signification de l’œuvre ?

Accroche

Je répond à la question suivante :

Pourquoi est ce que l’on me pose ce sujet? ...................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................

Mes définitions

Définition mot clef 1

Je définis mon mot clef et pose une nouvelle question

Définition mot clef 2

Je définis mon mot clef et pose une nouvelle question

Ma problématique

Je transforme mon sujet en problématique :

Quelle question précise vais-je explorer dans la dissertation? ...................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................

Mon plan

J’organise mes idées en trois grandes parties

1.........................................................................................................................................................................................................................

2.........................................................................................................................................................................................................................

3.........................................................................................................................................................................................................................

Mes réponses doivent toujours s’appuyer sur :

Une œuvre au programme

Une œuvre hors programme

Une expérience pratique

Partie 1

Proposez une phrase introductive de la partie 1 en commençant par: je vais démontrer que :

Une œuvre au programme

Je contextualise l’œuvre

J’argumente en lien avec ma démonstration

Une œuvre hors programme

Je contextualise l’œuvre

J’argumente en lien avec ma démonstration

Une expérience pratique

Je contextualise l’œuvre

J’argumente en lien avec ma démonstration

Conclusion de partie et transition

Partie 2

Proposez une phrase introductive de la partie 2 en commençant par: je vais démontrer que :

Une œuvre au programme

Je contextualise l’œuvre

J’argumente en lien avec ma démonstration

Une œuvre hors programme

Je contextualise l’œuvre

J’argumente en lien avec ma démonstration

Une expérience pratique

Je contextualise l’œuvre

J’argumente en lien avec ma démonstration

Conclusion de partie et transition

Partie 3

Proposez une phrase introductive de la partie 3 en commençant par: je vais démontrer que :

Une œuvre au programme

Je contextualise l’œuvre

J’argumente en lien avec ma démonstration

Une œuvre hors programme

Je contextualise l’œuvre

J’argumente en lien avec ma démonstration

Une expérience pratique

Je contextualise l’œuvre

J’argumente en lien avec ma démonstration

Conclusion de partie

Conclusion

Je réponds aux questions suivante :

- En quoi ma problématique répond au sujet ?

- Comment mes trois parties présentent des axes d’analyse du sujet ?

- Comment mes arguments permettent ils d’éclairer le sujet ?

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Activité 6 - J’évalue les copies de mes camarades

Sujet :

Mon parcours dans cette activité

Grille d’évaluation

Œuvre – Chorégraphe – Date	0 à 5 Hors sujet	6 à 9 Incomplète	10 à 12 Satisfaisant	13 à 15 Questionnée	16 à 17 Élaborée	18 à 20 Fine
Réponse au sujet : compréhension	Ne répond pas au sujet.	Répond au sujet de façon partielle ou superficielle.	Répond en prenant en compte l’ensemble du sujet.	Répond au sujet à partir d’un questionnement.	Répond au sujet en problématisant (culture chorégraphique plus riche).	Répond au sujet en ouvrant sur d’autres champs artistiques.
Exploitation des documents : pertinence du traitement des documents	Aucune prise en compte des documents.	Un ou deux documents ne sont pas abordés. Les connaissances sont évoquées.	Tous les documents sont compris (éléments de description).	Les mots clés du sujet sont repérés. Les documents sont utilisés.	Prend appui sur les documents en les mettant en relation.	Propose des éléments de réflexion en relation avec les documents.
Les connaissances : au programmes et issues des expériences personnelles	Absence.	Références relevant du lieu commun ou comportant des erreurs. Spécialité danse limitée à la culture chorégraphique.	Références mais relatives, cohérentes avec le sujet mais non étoffées.	Références illustratives, cohérentes et réutilisées au sujet.	Références maîtrisées et contextualisées au service du sujet.	Références riches, variées, réfléchies, cohérentes et reliées au sujet.
Le raisonnement : qualité de l’expression écrite, de l’enchaînement des idées, de la réflexion	Pas de plan. Aucune expression. Pas de remarques juxtaposées.	Lecture difficile. Les idées ne sont pas annoncées. Plan flou.	L’expression est correcte. Les idées sont juxtaposées. Le plan peut être annoncé mais non respecté.	L’expression est claire. Les idées commencent à être liées. Le plan peut être annoncé et respecté.	Lecture fluide. Les idées sont agencées. Le plan révèle la structure du raisonnement.	Orienté, équilibré, fin. Les idées sont en relation sous une forme complexe. Plan subtil.

Copie 1

Note /20

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Commentaires et justification de ma note

Copie 2

Note /20

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Commentaires et justification de ma note

Copie 3

Note /20

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Commentaires et justification de ma note

Copie 4

Note /20

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Commentaires et justification de ma note

Copie 5

Note /20

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Commentaires et justification de ma note

Copie 6

Note /20

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Commentaires et justification de ma note

Copie 7

Note /20

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Commentaires et justification de ma note

Copie 8

Note /20

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Commentaires et justification de ma note

Copie 9

Note /20

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Commentaires et justification de ma note

Regard sur ma copie

Quelles sont les forces de ma copie

Pourquoi ais-je obtenu cette note ?

Quelles améliorations puis je apporter ?

Que dois je travailler pour progresser ?

Ma Giselle

Sujet: En vous inspirant des transformations opérées par les chorégraphes contemporains sur Giselle, imaginez votre propre réinterprétation d’une scène du ballet romantique, en détournant ses codes gestuels, narratifs et scénographiques.

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Le sujet

Objectifs :

DÉFINITIONS

Questionnement

Thème du sujet

Problématique

Dossier - Giselle de Coralli et Perrot : les codes du ballet romantique

Giselle de Coralli et Perrot : analyse des composantes du mouvement dans le ballet romantique

1. Le corps : technique et langage expressif

2. L’espace : du village au royaume des Wilis

3. Temps, flux et relations dramatiques

Dossier - Giselle revisitée par Mats Ek

Giselle de Mats Ek – une héroïne terrienne et marginale

1. Le corps : vitalité, gestes bruts et expressivité

2. L’espace : du village contemporain à l’asile imaginaire

3. Temps, flux et relations dramatiques

Dossier - Giselle d’Akram Khan

Giselle d’Akram Khan – une fusion des cultures et une critique sociale

1. Le corps : hybridation entre ballet, kathak et modernité

2. L’espace : un mur comme symbole de division sociale

3. Temps, flux et relations

Activité 2 - Construire mon argumentation - Partie 1

Ce que je dois démontrer

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J’étudie le dossier

Je réponds aux questions

Je formule mon argument

Je synthétise

Je rédige ma partie

Argument 1

Argument 2

Argument 3

Argument principale

Questions de travail

Mes réponses

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Ce que je dois démontrer

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Argument 2

Argument 3

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Ce que je dois démontrer

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