Notion d'interaction entre les arts, Focus sur les nouvelles technologies
Enseigner la danse, lycée Guillaume Apollinaire, Spécialité danse, Sophie Martinez
Changing Steps Merce Cunningham
Collage vidéo de différents enregistrements de « Changing Steps » enregistrés au Merce Cunningham Studio à Westbeth, New York, avril 1974; , Allemagne de l’Ouest, juin 1988; et , Orem UT, octobre 1988. Merce Cunningham a chorégraphié « Changing Steps » en 1973. Dans sa forme originale, « Changing Steps » consistait en une danse solo pour chaque membre de la compagnie, 3 trios, 2 quatuors et 2 quintettes, qui pouvaient être exécutés dans l’ordre, et séparément ou se chevauchant si l’espace le permettait. Première projection publique, Anthology Film Archives, New York NY, 15 mai 1989
Merce Cunningham - Wikipedia (wikipedia.org)
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Alvin Nikolais
Kaleidoscope (1956) 25’ Cette pièce a consacré Alwin Nikolais auprès de ses contemporains et a marqué l’histoire de la danse. « Le corps du danseur y perd entièrement son aspect humain par l’emploi d’accessoires qui allongent ses bras comme des antennes, de vêtements en tissu extensible qui le transforment en volumes variables et surtout par l’emploi de la lumière. Ici, Alwin Nikolais l’éclairagiste accentue le côté surréaliste du spectacle. » (Histoire de la danse, Paul Bourcier). C’est avec cette œuvre que l’on a compris que l’artiste avait ouvert une nouvelle voie dans le domaine plastique et esthétique de la danse.
15’ Dans cette pièce, le corps humain n’est révélé que par portions successives. Il est souvent présenté de dos et jamais dans sa totalité. On a l’impression de voir des formes flottant dans l’espace. Ce morcellement et un habile jeu de lumières et de couleurs créent et alimentent des effets visuels surprenants voire hypnotiques
Connaissances complémentaires sur Nikolais:
Dossier pédagogique Opéra de Lille
Chorégraphe majeur du XXème siècle, Alwin Nikolais développa une théorie novatrice du mouvement, bien que, à l’inverse de Merce Cunningham, son apport fut plutôt esthétique que technique. Il fut surtout un pédagogue de renom qui a formé tout une génération de danseurs et de chorégraphes.
Théorie
:
On peut dégager deux concepts essentiels dans la philosophie de Nikolais : la décentralisation du corps et l’intelligence du mouvement.
« Nikolais a hérité, à travers Hanya Holm, des concepts spatiaux développés par Laban, et on peut d’ailleurs penser que l’utilisation qu’il fait des accessoires n’est pas autre chose qu’une matérialisation des théories du maître allemand. Mais, tandis que Laban organise toute sa pensée du mouvement autour du centre du corps, Nikolais, homme du XX ème siècle conscient des bouleversements apportés notamment par la relativité d’Einstein, propose de décentraliser le mouvement. Toute sa technique s’appuie sur la conscience du motion7
et de la dynamique. Il explore le mouvement en admettant que tout point du corps peut devenir un centre de gravité ». Ginot Isabelle, Michel Marcelle, La danse au XX ème siècle. Ainsi pour Nikolais, « le mouvement est une figure d’action grossière ou globale et le motion est le chemin intérieur qui le qualifie et le transforme en danse. »
Pédagogie :
Nikolais développe une pédagogie qui ne se base pas sur des enchaînements tout faits, mais sur des sensations, des qualités de mouvement et une conscience constante de 4 fondamentaux :
espace, temps, motion et shape (forme). L’improvisation est au cœur de sa pédagogie dont le but n’est pas d’imiter mais de parvenir à découvrir une danse personnelle, un geste unique.
Ainsi, « fondé sur une conscience affinée de la qualité du mouvement, l’enseignement de Nikolais ne sépare pas la technique de l’improvisation (qui permet au danseur d’explorer son propre style gestuel tout en développant sa compréhension des lois du mouvement) de celle de la composition. » Ginot Isabelle, Michel Marcelle, La danse au XX ème siècle Il enseigna d’ailleurs au CNDC d’Angers qu’il dirigea de 1978 à 1981 où il forma de nombreux chorégraphes français tels que Philippe Découflé.
In summary : . “A total theater man, he uses dance not for its expressive value, but as a mobile element in an unreal universe. (History of dance, Bourcier, 1994). A multi-faceted artist (choreographer, lighting designer, costume designer, pianist, painter, sculptor, puppeteer), he distinguishes himself by using processes aimed at creating numerous effects. His concept of movement decentralization brought an original and specific movement technique.
« …cet ancien marionnettiste, pianiste, curieux de tout, passionné de cinéma fut un homme de théâtre total, plaçant tout au même niveau : danse, musique costumes, scénographie, … Toutes ses pièces créées depuis les années 50 rendent compte de cette capacité à créer des formes multiples, quitte à ce que le corps du danseur ne soit plus reconnaissable, avalé ou déformé par des costumes ou accessoires. Certains critiques parlèrent de "déshumanisation". Lui répondait par "décentralisation et intelligence du mouvement" ou par "motion, not emotion". » Libération (Paris), 24 Février 2004, Marie-Christine Vernay Nik l’enchanteur…
« Nik était un amuseur, un poète, un philosophe. Inventeur de formes et d’espaces, on le disait magicien. D’une suite de mouvements, la motion, il faisait une phrase, une séquence une pièce chorégraphique, un spectacle total. » Lise Brunel, 1993 Un génie…
“Alwin Nikolais was the creative genius of this choreographic aesthetic that we continue to appreciate and that we still consider today as new. A choreography made of shapes, colors and lights. » Emilio Kalil, 1993 A dancing master…
« L’audace de sa fabuleuse aventure artistique, pour situer l’homme dans l’univers (et non pas dans son nombril). La générosité de son enseignement accompagné d’une patience dorée pour faire émerger des chorégraphes indépendants et uniques (et non pas le reflet de lui-même). Nikolais un grand maître (mon maître) encore aujourd’hui à jamais. » Susan Buirge, 1993
Lucinda Childs Dance - Choreography
Childs to produce a radical piece, of a rare intensity, with precise rhythm.
Dance: a historical piece by Lucinda Childs with Philip Glass and Sol LeWitt (paris-art.com)
- Des outils pour une recherche créative, une approche expérimentale afin d’enrichir l’écriture chorégraphique en interaction avec le corps dansant : les technologies sont utilisées en interaction avec le corps du danseur
Variation V 1965 cunningham Cage et Tudor (les mouvements produisent des sons)
Happy Babel Montalvo Hervieux
Biped 2005
Rosas danst rosas
Le p’tit bal perdu de découflé
Variation V, Cunningham
Variations V chorégraphié et dansé en 1965 par Merce Cunningham (1919-2009), en compagnie de six autres danseurs, fut créé au Lincoln Center, à New-York. La partition musicale était signée John Cage, David Tudor, Robert Moog.... Le plasticien Nam June Paik avait trafiqué les images télévisuelles à sa façon explosive. Au total, un casting d'experts et de furieux inventeurs pour une pièce évidemment intrigante. Des cellules photo-électriques réagissaient en direct aux mouvements de danseurs, ouvrant ou fermant les circuits sonores. En 1966, la télévision allemande réalisa une captation de cinquante minutes de Variations V.
Cette plate-forme de talents et d'innovation offre une synthèse excitante de la formidable révolution Cunningham-Cage. Leur rencontre a lieu à la Cornish Schol for The Arts de Seattle où Cage accompagnait les cours de danse au piano. Leur premier concert, programme de solos interprétés par Merce et accompagnés par John, a lieu en 1944. Cunningham, d'abord danseur dans la compagnie de Martha Graham, fonde sa compagnie la Merce Cunningham Dance Company, basée à New-York, en 1953 avec John Cage comme directeur musical, puis le plasticien Robert Rauschenberg comme directeur artistique. L' idée du "faire" avant tout chose les réunit.
Cunningham, qui va bâtir avec Cage une œuvre unique forgée de l'intérieur par une quête intellectuelle toujours tendue vers l'inconnu, aime distinguer dans son parcours - quelques soixante-dix années de travail ! – quatre grandes étapes. D'abord, la séparation de la danse et de la musique, étendue à celle du décor : un choc et une libération tant l'art chorégraphique illustrait la musique encore à l'époque. Puis, dans les années 50, la découverte avec Cage du hasard et des procédés aléatoires qui va estampiller toutes ses productions. Avec des dés ou avec le Yijing, livre chinois de divination, il tirera au sort les différents éléments d'une pièce (nombre de séquences de danse, de danseurs...) laissant le soin au hasard de repousser ses limites personnelles tout en déstabilisant ce que sa danse peut avoir de trop rigoureux. Puis ce sont les années-vidéo, entre 1970 et 1980, avec des collaborateurs comme le réalisateur Charles Atlas. Enfin, les nouvelles technologies excitent l'imagination de cet infatigable bosseur.
Avec Cage toujours, Cunningham imagine un jour de 1964 son premier Event. Soit, un programme d'extraits de pièces existantes dont le montage est tiré aux dés. Lorsque les danseurs se jettent à l'assaut d'un Event, ils en découvrent la distribution au dernier moment et se réfèrent lors de la performance à des papiers scotchés sur le plateau pour connaître le déroulé de leurs prestations.
Cunningham, avec l'appui de Cage jusqu'en 1992, a su rassembler autour de lui le gratin des arts plastiques (Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Frank Stella, Andy Warhol, Ernesto Neto...), de la musique (David Tudor, Takehisa Kosugi mais encore Sigur Ros, Gavin Bryars...), toujours exécutée live. Avec quelque cent cinquante pièces créées tout au long de soixante-dix ans de recherche, Cunningham reste encore et toujours le phénomène de la danse. A sa mort, il épate encore son monde avec son testament. Son Legacy Plan est un plan de bataille pour la survie de son travail via des dance capsules (sorte de valises pédagogiques contenant tous les paramètres pour remonter une pièce) et la poursuite de la carrière des danseurs. Tout y est prévu pendant trois ans jusqu'à la fin précise de la troupe, lors d'une grande soirée de réveillon, le 31 décembre 2011.
Biped, Cunningham
Biped, 1999
For the first time, Cunningham showed the subtle result of his work with LifeForms software. On the stage, flights of bodies in flesh and bone merge and merge with their virtual images projected on a transparent screen located in front of them. The sensation of a magical doubling of the dance, of a unique spectacular texture, made this piece a bubble of beauty.
Supported by researchers Shelley Eshkar and Paul Kaiser, Cunningham orchestrated a magical fusion between reality and artifice. Before inviting these virtual whirlwinds on stage, the movements of the dancers, equipped with sensors placed on their joints and their extremities – the famous “motion capture” system – were recorded, reworked by computer using the LifeForms software to achieve these abstract shapes. . The "plus" of Biped lies in the way in which Cunningham and his accomplices took hold of this digital choreography to explode it into fireworks of strokes, points, lines, drawing in space abstract paintings in permanent evolution. Colored bars sweep the space, crossing clusters of dots that lead back the silhouettes of the dancers.
Sur la musique de Gavin Bryars, dans des costumes de Suzanne Gallo – des justaucorps seconde peau subtilement miroitants -, Biped, tout en énergie pétillante, auréolait le geste sobre de Cunningham d'une sorte d'enchantement. Un phénomène dans l'œuvre austère, même si dynamiquement toujours au taquet, du maître américain.
It was from the early 90s that Merce Cunningham, after having explored video, launched an assault on new technologies. At the age of eighty, he offers himself a perilous challenge and works hard. Curiously, he also sometimes measures the impossible adaptation to human bodies of a dance conceived solely on a computer. Some movements come up against anatomical limits and must be modulated. Already mentally complex, Cunningham's dance became increasingly difficult to integrate, requiring focused and swift performers.
Renamed "the Einstein of dance" because he took up the physicist's formula "there are no fixed points in space", Cunningham never failed to earn his nickname for more than fifty years of career. Innovating in all areas until the end of his life, he constantly relaunched the dice of his imagination and his practice. His final piece Nearly 90 had two choreographed versions between his birthday and his death, at age 90, in July 2009. The first, in April 2009, shone with a thousand lights thanks to the enormous flying saucer designed by the Italian architect Benedetta Tagliabue. Resized, the second version made a masterful return to its fundamentals: pure movement, an empty stage only swept by colored lights, dancers in leotards and experimental music. All Cunningham!
Limits of the use of new technologies in choreographic creation
Dénaturer le corps dansant
Dénaturer l’essence du spectacle vivant
Dénaturer l’objet de la danse (la danse ne suffirait plus en elle-même)